Quel est le style architectural. Styles et tendances dans les arts visuels

Style architectural - un ensemble de caractéristiques principales et de signes d'architecture d'une certaine époque et d'un certain lieu, se manifestant dans les caractéristiques de ses aspects fonctionnels, constructifs et artistiques (techniques de construction de plans et de volumes de compositions de construction, Matériaux de construction et structures, formes et décoration des façades, décoration intérieurs; est inclus dans le concept général de style en tant que vision du monde artistique, couvrant tous les aspects de l'art et de la culture de la société dans certaines conditions de son développement social et économique; l'ensemble des principales caractéristiques idéologiques et artistiques de l'œuvre du maître.

Empire

Empire (de l'empire français - empire) - un style d'architecture et d'art (principalement décoratif) des trois premières décennies du XIXe siècle, complétant l'évolution du classicisme. Se concentrant, comme le classicisme, sur des échantillons d'art antique, l'empire inclut dans son cercle l'héritage artistique de la Grèce archaïque et de la Rome impériale, y puisant des motifs d'incarnation d'une puissance majestueuse et d'une force militaire : formes monumentales de portiques massifs (principalement doriques et ordres toscans), emblèmes militaires dans les détails architecturaux et le décor (faisceaux de licteurs, armures militaires, couronnes de lauriers, aigles, etc.). L'Empire comprenait également des motifs architecturaux et plastiques égyptiens anciens individuels (grands plans indivis de murs et de pylônes, volumes géométriques massifs, ornement égyptien, sphinx stylisés, etc.).

École d'Amsterdam

École d'Amsterdam (néerlandais. École d'Amsterdam) - style architectural, qui est né et s'est développé aux Pays-Bas dans le premier tiers du XXe siècle. Inspiré des idées socialistes, ce style a été utilisé dans la construction des bâtiments de la à des fins diverses, y compris les manoirs et Tours d'appartements. L'architecture de l'école d'Amsterdam a été influencée à la fois par l'architecture néo-gothique et Renaissance, ainsi que par le travail de l'éminent architecte néerlandais Hendrik Petrus Berlage.
Les bâtiments de l'école d'Amsterdam, influencés par l'expressionnisme, avaient souvent une forme arrondie, "organique" des façades et de multiples éléments décoratifs, qui n'avaient pas de vocation fonctionnelle : flèches, images sculpturales et fenêtres à « déglaçage » horizontal ressemblant à un escalier.

art Déco

Art déco (art déco français lit. "art décoratif", de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes - " Exposition internationale Arts décoratifs et industriels modernes, 1925 Paris) est une tendance des arts décoratifs de la première moitié du XXe siècle, qui se manifeste dans l'architecture, la mode et la peinture. C'était une synthèse du moderne et du néoclassicisme. Caractéristiques distinctives - régularité stricte, motifs géométriques ethniques, luxe, chic, cher, matériaux modernes (Ivoire, peau de crocodile, aluminium, bois rares, argent). Aux États-Unis, aux Pays-Bas, en France et dans quelques autres pays, l'Art Déco évolue progressivement vers le fonctionnalisme, tandis que dans les pays aux régimes totalitaires (IIIe Reich, URSS, etc.), l'Art Déco se transforme en un "nouveau style Empire". Dans l'architecture soviétique de la période du post-constructivisme, de nombreux éléments de l'Art déco ont été empruntés (par exemple, l'hôtel Moskva).

Architecture Renaissance

Architecture de la Renaissance - la période de développement de l'architecture dans les pays européens du début du XVe au début du XVIIe siècle, dans le cours général de la Renaissance et le développement des fondements de la culture spirituelle et matérielle La Grèce ancienne et Rome. Cette période est un tournant dans l'histoire de l'architecture, notamment par rapport au style architectural précédent, le gothique. Le gothique, contrairement à l'architecture de la Renaissance, a cherché l'inspiration dans sa propre interprétation art classique. Une importance particulière dans cette direction est attachée aux formes de l'architecture antique: symétrie, proportion, géométrie et ordre des composants, comme en témoignent clairement les exemples survivants de l'architecture romaine. La proportion complexe des bâtiments médiévaux est remplacée par un agencement ordonné de colonnes, de pilastres et de linteaux, les contours asymétriques sont remplacés par un demi-cercle d'arc, un hémisphère de dôme, des niches et des édicules.

Baroque

Baroque (barocco italien - "étrange", "bizarre"; port. perola barroca - "perle forme irrégulière» ; il existe d'autres hypothèses sur l'origine de ce mot) - une caractéristique de la culture européenne des XVIIe-XVIIIe siècles, dont le centre était la France. Le style baroque est apparu aux XVIe-XVIIe siècles dans les villes italiennes : Rome, Mantoue, Venise, Florence. C'est l'époque baroque qui est considérée comme le début du cortège triomphal de la « civilisation occidentale ». L'architecture baroque (L. Bernini, F. Borromini en Italie, B. F. Rastrelli en Russie) se caractérise par l'étendue spatiale, l'unité, la fluidité des formes complexes, généralement curvilignes. On trouve souvent des colonnades à grande échelle, une abondance de sculptures sur les façades et dans les intérieurs, des volutes, un grand nombre de râteaux, des façades cintrées avec un râteau au milieu, des colonnes et des pilastres rustiques. Les dômes acquièrent formes complexes, souvent à plusieurs niveaux, comme à la cathédrale Saint-Pierre de Rome. Détails caractéristiques du baroque - telamon (atlas), cariatide, mascaron.
Baroque russe (également élisabéthain, Rastrelli) - un style artistique (principalement en architecture, sculpture et peinture); "réplique" russe Style européen baroque pleinement développé dans l'art russe à la fin de la première moitié du XVIIIe siècle.
Ce style, qui gravitait vers la création d'images héroïsées, vers la glorification du pouvoir Empire russe, s'est manifesté le plus clairement au milieu du XVIIIe siècle dans les structures architecturales de l'un des plus grands architectes de cette direction - F. B. Rastrelli. Selon ses plans, des ensembles de palais majestueux ont été créés à Saint-Pétersbourg (Hiver, 1754-1762 ; Palais Stroganov, 1752-1754) et à Peterhof (1746-1775), à Tsarskoïe Selo (Palais de Catherine, 1747-1757). L'échelle grandiose des bâtiments, l'extraordinaire richesse et la splendeur de la décoration décorative, la peinture bicolore et tricolore des façades avec l'utilisation de l'or - tout cela a frappé l'imagination du public, provoquant leur sincère admiration. Le caractère solennel et festif de l'architecture de Rastrelli a marqué de son empreinte tout l'art du milieu du XVIIIe siècle.
À Saint-Pétersbourg et à Moscou au cours des mêmes années, une galaxie d'architectes russes remarquables a travaillé - l'architecte serf F. S. Argunov, S. I. Chevakinsky, A. V. Kvasov et d'autres.

Biotechnologies

La bio-tech est un mouvement architectural qui en est encore au stade d'écriture de manifestes. Contrairement à la haute technologie, l'expressivité architecturale des conceptions de bâtiments biotechnologiques est obtenue en empruntant des formes naturelles. Cependant, la copie directe de formes naturelles n'apporte pas de résultats positifs, car des zones non fonctionnelles apparaissent dans la structure architecturale. Il convient de noter que le concept de biotechnologie implique non seulement une utilisation indirecte, mais également directe des formes de la faune dans l'architecture (sous la forme d'éléments naturels du paysage, de plantes vivantes).
Ce mouvement est en voie de formation et sa composante de recherche prime sur la pratique. La principale contradiction de la bionique architecturale: la disposition rectangulaire conservatrice et le schéma constructif des bâtiments s'opposent aux formes curvilignes biomorphiques, aux coquilles, aux formes fractales auto-similaires. Une solution esthétique et économiquement justifiée à cette contradiction est l'une des tâches principales de la biotechnologie.

Brutalisme

Le brutalisme est une tendance architecturale dont le point de départ fut les projets d'après-guerre de Le Corbusier - une "unité résidentielle" à Marseille (1947-52) et le bâtiment du secrétariat à Chandigarh (1953). Le nom du style a été formé par les architectes britanniques Alison et Peter Smithson à partir du terme français "beton brut" - "béton brut".
Les architectes brutalistes ont souligné de toutes les manières la texture rugueuse du béton, qu'ils n'ont pas jugé nécessaire de cacher avec du plâtre, du revêtement ou de la peinture. Des formes volontairement lourdes, monotones, rectilignes ("box-houses") ont été préférées. A la légèreté et à la douceur du "style international" s'opposent la lourdeur des structures et la rugosité des surfaces monochromes.
Le brutalisme était le plus répandu en Grande-Bretagne (surtout dans les années 1960) et en URSS (surtout dans les années 1980). De nombreux partisans de ce style professaient des opinions socialistes, citant parmi ses avantages non seulement le bon marché de la construction (particulièrement pertinent au premier après-guerre), mais aussi l'anti-bourgeoisisme sans concession et "l'honnêteté" de ce style.

Architecture géorgienne

Architecture géorgienne L'architecture géorgienne) est une désignation largement utilisée dans les pays anglophones pour l'architecture caractéristique de l'ère géorgienne, qui couvre la quasi-totalité du XVIIIe siècle. Ce terme existe comme la désignation la plus générale de l'architecture anglaise du 18ème siècle, tout comme ils essaient de couvrir toute la variété de l'architecture éclectique du 19ème siècle avec le terme "architecture victorienne." Les caractéristiques du géorgisme incluent la disposition symétrique du bâtiment pendant sa conception. Les façades des maisons géorgiennes sont faites de briques plates rouges (au Royaume-Uni) ou multicolores (aux États-Unis et au Canada) et d'ornementations en stuc blanc. L'ornement, en règle générale, est réalisé sous la forme d'arcs et de pilastres habilement exécutés. Les portes d'entrée sont peintes de différentes couleurs et sont équipées de fenêtres ouvrantes transmettant la lumière dans leur partie supérieure. Les bâtiments sont entourés de tous côtés par un socle.

Déconstructivisme

Le déconstructivisme est une tendance de l'architecture moderne qui a pris forme comme une tendance indépendante en Amérique et en Europe à la fin des années 1980, puis s'est propagée sous une forme ou une autre dans le monde entier. Le déconstructivisme est inextricablement lié à la culture postmoderne, mais il est d'usage de faire la distinction entre l'architecture postmoderne et l'architecture déconstructiviste. De plus, les architectes qualifiés de déconstructivistes refusent souvent une telle définition de leur travail, qui correspond pourtant à l'esprit même du déconstructivisme, qui se caractérise par une réticence à se limiter à toute classification ou définition, le désir d'une constante variabilité et la recherche d'autres formes d'expression de soi.
Il existe des différences dans les théories et des théories assez importantes, mais en même temps, il y a beaucoup de points communs entre ces deux concepts. Charles Jencks, par exemple, classe souvent le plus grand architecte et théoricien américain du déconstructivisme, Peter Eisenman, comme un postmoderne (ce qu'Eisenman lui-même refuse, insistant sur le fait que le déconstructivisme est différent du postmodernisme à bien des égards). Cependant, si nous considérons les deux directions au niveau des théories, nous trouverons plus de similitudes que de différences. On peut dire que le déconstructivisme fait partie du postmodernisme, mais avec une attitude légèrement différente vis-à-vis de l'héritage du modernisme, un lien plus étroit avec les théories architecturales du début du XXe siècle, ainsi qu'une attitude plus radicale (souvent même agressive) envers le consommateur , une étude approfondie des problèmes architecture moderne, à la recherche de nouvelles formes (mais sans jouer avec formes historiques, ce que font la plupart des architectes qui se considèrent comme postmodernes). L'architecture déconstructiviste est peut-être la plus complexe et la plus éloignée du grand public, c'est l'architecture des mégapoles et de la « nouvelle génération », l'incarnation matérielle de l'existentialisme.
La théorie déconstructiviste diffère du postmodernisme (parlant assez globalement) en ce que le déconstructivisme brouille et détruit l'image globale du monde, dont l'incarnation la plus frappante est l'architecture. Le postmodernisme est encore plus un certain état d'esprit de la culture moderne, qui se reflète plus souvent dans la pratique de l'art et de la vie. Quant à l'architecture, ici le postmodernisme a un effet plus doux et ludique, en fait, il ne bouleverse pas toutes les idées sur l'architecture, sa principale réalisation est la critique des principes du modernisme, mais pas la création d'une "autre" architecture sans précédent. .
Les déconstructivistes font de l'architecture une façon d'explorer le monde moderne, un art intuitif, comme la poésie, qui n'est pas destiné à satisfaire un besoin ou à représenter une fonction. Souvent, les architectes déconstructivistes ne font pas la distinction entre les objets réels et les plans et dessins - tout de même, ce qui est aussi une révision de l'architecture, un refus de la hiérarchie.

Style indo-sarrasin

Le style indo-sarrasin est l'un des styles rétrospectifs de l'ère de l'éclectisme architectural qui s'est propagé à l'Inde britannique sous le règne de la reine Victoria. En fait, il a joué en Inde le même rôle d'alternative nationale au classicisme universel et à ses prolongements que le néo-gothique en Europe et les colonies anglaises ou que le style pseudo-russe en Russie.
Sur l'exemple de structures de Bombay telles que la gare Victoria et la porte de l'Inde, on peut distinguer les principales caractéristiques du style indo-sarrasin. Sur les bâtiments, européens but fonctionnel et la silhouette d'ensemble, décor bizarre superposé, emprunté au répertoire de l'architecture de l'Inde musulmane - majoritairement moghole. En ressuscitant le patrimoine architectural des Moghols, le gouvernement britannique a cherché à montrer la continuité de son règne. Style international - la direction principale de la pensée architecturale moderniste dans la période des années 1930-60. Les pionniers du style international étaient Walter Gropius, Peter Behrens et Hans Hopp en Allemagne, les représentants les plus importants et les plus cohérents étaient Le Corbusier (France), Mies van der Rohe (Allemagne-USA) et Jacobus Oud (Pays-Bas).
L'esthétique du style international exigeait le rejet des caractéristiques culturelles et toutes sortes de décors historiques au profit des lignes droites et autres formes géométriques pures, des surfaces de verre et de métal légères et lisses. Le béton armé devient un matériau de prédilection, les grands espaces sont valorisés dans les intérieurs. C'était l'architecture d'une société industrielle, qui ne cachait pas sa vocation utilitaire et la capacité d'économiser sur les « excès architecturaux ». La devise officieuse du mouvement était le paradoxe proposé par Mies van der Rohe : Le moins est le plus ("le moins, le plus").

Classicisme

Classicisme (fr. Classicisme, du lat. classicus - exemplaire) - style artistique et la tendance esthétique de l'art européen des XVIIe-XIXe siècles.La principale caractéristique de l'architecture du classicisme était l'appel aux formes de l'architecture ancienne comme norme d'harmonie, de simplicité, de rigueur, de clarté logique et de monumentalité. L'architecture du classicisme dans son ensemble se caractérise par la régularité de la planification et la clarté de la forme volumétrique. L'ordre, dans des proportions et des formes proches de l'Antiquité, devient la base du langage architectural du classicisme. Le classicisme se caractérise par des compositions symétriques-axiales, la retenue de la décoration décorative et un système régulier d'urbanisme.

Style cosmatesque

Le style Cosmatesco est un style décoratif d'architecture typique de l'Italie médiévale et surtout de Rome. Le style est typique de la sculpture, ainsi que des objets de mobilier religieux (colonnes, pierres tombales, candélabres, portails, etc.) et implique l'utilisation généralisée de mosaïques en pièces. Les sols en marbre blanc Cosmatesque sont remarquables avec des incrustations en forme de motifs géométriques (carrés, parallélogrammes, cercles de marbre foncé) entourés de bandes de porphyre rouge et vert. Les colonnes anciennes ont souvent servi de matériau aux œuvres de Kosmatov. Le mot « Cosmatesco » vient du nom de famille des marbriers Cosmati (italien : Cosmati), dont les représentants travaillaient à Rome et dans ses environs aux XIIe et XIIIe siècles. Les maîtres ont utilisé l'héritage classique en combinaison avec les traditions byzantines et paléochrétiennes. Plus tard, d'autres familles de tailleurs de pierre en Italie ont adopté la tradition Kosmat.

Métabolisme

Le métabolisme (métabolisme français du grec « transformation, changement ») est une tendance de l'architecture et de l'urbanisme du milieu du XXe siècle, représentant une alternative à l'idéologie du fonctionnalisme qui dominait l'architecture à cette époque. Originaire du Japon à la fin des années 1950. La théorie du métabolisme repose sur le principe du développement individuel d'un organisme vivant (ontogenèse) et de la co-évolution. Le métabolisme ne doit cependant pas être confondu avec l'architecture organique et l'éco-tech, dans lesquelles l'imitation de la nature vivante ne se déroule pas dans le temps et affecte principalement les principes de mise en forme.
C'est ainsi que l'un de ses principaux idéologues, Kiyonori Kikutake, définit le concept de métabolisme : « Les Japonais sont habitués à la continuité de la tradition, l'un des fondements de la stabilité de notre civilisation.
Par conséquent, le concept d'architecture métabolique remonte aux origines de la tradition de construction japonaise, offrant un algorithme pour le changer. Bien sûr, il n'est pas facile de résumer brièvement tout ce à quoi j'ai pensé en créant cette théorie. Pour moi, dans le concept de «métabolisme», le plus important était la possibilité de reconstruire la structure et de remplacer ses composants conformément aux exigences imposées par notre monde en évolution rapide. Le mouvement Metabolist n'était pas un hommage à la mode et n'a pas été créé par moi dans le but d'en devenir le créateur de tendances. En Europe, ce mouvement est devenu une tendance de la mode, et dans notre pays, basé sur des traditions anciennes, il a connu un développement différent. Pour le Japon, il s'agissait de l'avenir de notre civilisation. Par conséquent, il était nécessaire de se demander si le Japon aurait besoin de notre concept. En même temps, nous pensions qu'une telle approche de l'architecture et, en général, de la construction d'une nouvelle société pacifique serait également utile pour le développement d'autres pays. De manière générale, au Japon, une attention particulière a toujours été portée aux lois de l'évolution animale et flore. Par conséquent, les modèles naturels sont devenus l'un des fondements du métabolisme architectural. Peut-être que l'architecture devrait se développer selon des lois biologiques similaires. Technologies modernes permettent de mettre en œuvre les projets les plus audacieux, il y a donc espoir que l'expérience des métabolistes trouvera son application au 21ème siècle."

Architecture Art nouveau

L'architecture Art nouveau est un style architectural qui s'est répandu en Europe dans les années 1890-1910 dans le cadre du mouvement artistique Art nouveau. L'architecture Art nouveau se distingue par le rejet des lignes droites et des angles au profit de lignes plus naturelles, "naturelles", l'utilisation des nouvelles technologies (métal, verre). Comme un certain nombre d'autres styles, l'architecture Art nouveau se distingue également par le désir de créer à la fois esthétiquement beau et bâtiments fonctionnels. Une grande attention a été accordée non seulement apparence bâtiments, mais aussi l'intérieur, qui a été soigneusement conçu. Tous éléments structurels: escaliers, portes, piliers, balcons - traités artistiquement L'architecture Art nouveau présente un certain nombre de caractéristiques, par exemple le rejet des formes symétriques obligatoires. De nouvelles formes y apparaissent, comme par exemple les "vitrines", c'est-à-dire larges destinées à jouer le rôle de vitrines. Au cours de cette période, le type d'immeuble résidentiel prend enfin forme. Obtient le développement Bâtiment à plusieurs étages. Il y avait aussi des cas où, avec des œuvres réussies, par exemple, un véritable Jugendstil (van de Velde), entre les mains d'imitateurs pour la mode et pour des raisons commerciales, l'œuvre s'est transformée en décoration vide. D'autres architectes, au contraire, s'appuyaient peu sur l'héritage du passé, affichaient la liberté de la créativité et, à la recherche de nouvelles solutions, s'engageaient souvent sur la voie de l'invention.

néogothique

Néo-gothique ("nouveau gothique") - la direction la plus courante dans l'architecture de l'ère de l'éclectisme, ou de l'historicisme, renouant avec les formes et (dans certains cas) caractéristiques de conception gothique médiéval. Originaire d'Angleterre dans les années 40 du XVIIIe siècle. Elle s'est développée à bien des égards parallèlement aux études médiévales et s'est appuyée sur elles. Contrairement aux tendances éclectiques nationales (comme les styles pseudo-russe ou néo-mauresque), le néo-gothique était demandé dans le monde entier : c'est dans ce style que les cathédrales catholiques ont été construites à New York et Melbourne, Sao Paulo et Calcutta, Manille et Guangzhou, Rybinsk et Kiev. Au XIXe siècle, Britanniques, Français et Allemands se disputent le droit d'être considérés comme les fondateurs du gothique, mais la palme du regain d'intérêt pour l'architecture médiévale revient à l'unanimité à la Grande-Bretagne. À l'époque victorienne, l'Empire britannique, tant dans la mère patrie que dans les colonies, a réalisé des constructions néo-gothiques d'une grande envergure et d'une diversité fonctionnelle, dont les fruits ont été des structures bien connues comme Big Ben et Tower Bridge. En Russie, la demande de néo-gothique se limite aux cercles de cour et aux communautés catholiques des grandes villes, qui construisent respectivement des aléas architecturaux et des églises. Dans la littérature de langue russe, le terme « pseudo-gothique » est utilisé pour désigner le néo-gothique parfumé d'éléments nationaux, car le véritable gothique sur le territoire L'ancienne Rus' n'existait pas.

Néo-grec

Le néo-grec est un style architectural qui a émergé dans les années 1820 sur la base d'un "retour" aux modèles grecs classiques. Il se distingue du classicisme (et de l'Empire en particulier) par une approche résolument archéologique et détaillée de la reproduction des classiques grecs, débarrassée de l'influence de l'architecture romaine antique et de la Renaissance italienne ; idéologiquement, appartient à l'ère de l'éclectisme, pas du classicisme. En Russie (principalement à Moscou), il est devenu à la mode à la fin des années 1860 et a duré jusqu'à l'avènement de l'Art nouveau à la fin du XIXe siècle.
architecture organique - une tendance de la pensée architecturale, formulée pour la première fois par Louis Sullivan sur la base des dispositions de la biologie évolutive dans les années 1890. et a trouvé l'incarnation la plus complète dans les œuvres de son disciple Frank Lloyd Wright dans les années 1930 - 1950.
Contrairement au fonctionnalisme, l'architecture organique voit sa tâche dans la création de bâtiments et de structures qui révèlent les propriétés des matériaux naturels et s'intègrent organiquement dans le paysage environnant. Partisan de l'idée de continuité de l'espace architectural, Wright propose de tirer un trait sur la tradition de séparation délibérée du bâtiment et de ses composants du monde environnant, qui domine la pensée architecturale occidentale depuis l'époque de Palladio. Selon lui, la forme du bâtiment doit chaque fois découler de sa destination spécifique et des conditions environnementales uniques dans lesquelles il est construit.

Postconstructivisme

Postconstructivisme - symbole style "intermédiaire" de l'architecture soviétique dans la période 1932 - 1936, lorsque sous l'influence de facteurs politiques et idéologiques, il y a eu une transition de l'avant-garde au néoclassicisme (au soi-disant "style Empire de Staline").

Rococo

Style romain

Le terme "style roman" est apparu au début du XIXe siècle, lorsque le lien entre l'architecture des XIe-XIIe siècles et l'architecture romaine antique a été établi (en particulier, l'utilisation d'arcs en plein cintre, de voûtes). En général, le terme est conditionnel et ne reflète qu'un côté, et non le principal, de l'art. Cependant, il est devenu d'usage courant. principale forme d'art Style roman- architecture, principalement église (temple de pierre, ensembles monastiques). Le pseudo-gothique, le faux gothique ou le gothique russe est une tendance pré-romantique de l'architecture russe de l'ère Catherine, basée sur une combinaison libre d'éléments du gothique européen et du baroque moscovite avec des ajouts grotesques d'architectes qui ont travaillé dans ce style, souvent saturé de Symboles maçonniques. Après la mort de Catherine II, le développement du gothique russe est allé de pair avec la formation de la tendance néo-gothique dans l'architecture de l'Europe occidentale, mais, contrairement au néo-gothique, le gothique russe a peu de points communs avec l'architecture médiévale authentique.

Néoclassicisme

Le néoclassicisme est un terme utilisé dans la critique d'art russe pour désigner les phénomènes artistiques du dernier tiers des XIXe et XXe siècles, qui se caractérisent par un appel aux traditions de l'art de l'Antiquité, de l'art de la Renaissance ou du classicisme (en musique , aussi l'époque baroque). Dans la critique d'art étrangère, le néoclassicisme est appelé classicisme dans l'architecture et les beaux-arts de la seconde moitié du XVIIIe - premier tiers du XIXe siècle, contrairement au classicisme d'une période antérieure.
Architecture Renaissance.
La principale caractéristique de cette époque est le retour de l'architecture aux principes et aux formes de l'art ancien, principalement romain. Une importance particulière dans cette direction est donnée à la symétrie, la proportion, la géométrie et l'ordre des composants, comme en témoignent clairement les exemples survivants de l'architecture romaine. La proportion complexe des bâtiments médiévaux est remplacée par un agencement ordonné de colonnes, de pilastres et de linteaux, les contours asymétriques sont remplacés par un demi-cercle d'arc, un hémisphère de dôme, des niches et des édicules.
Cathédrale de Santa Maria del Fiore, Florence. Un joyau de l'architecture Renaissance.
L'architecture de la Renaissance a connu son plus grand essor en Italie, laissant derrière elle deux villes monuments : Florence et Venise. De grands architectes y ont travaillé à la création de bâtiments - Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Donato Bramante, Giorgio Vasari et bien d'autres.
Le style roman (du latin romanus - Roman) s'est développé dans l'art d'Europe occidentale des Xe-XIIe siècles. Il s'est exprimé le plus pleinement dans l'architecture. Style roman, un style artistique qui a dominé l'Europe occidentale (et a également affecté certains pays d'Europe orientale) aux X-XII siècles. (en plusieurs endroits - et au XIIIe siècle), l'un des jalons développement de l'art médiéval européen.
Le terme "style roman" est apparu au début du XIXe siècle, lorsque le lien entre l'architecture des XIe-XIIe siècles et l'architecture romaine antique a été établi (en particulier, l'utilisation d'arcs en plein cintre, de voûtes). En général, le terme est conditionnel et ne reflète qu'un côté, et non le principal, de l'art. Cependant, il est devenu d'usage courant. Le principal type d'art du style roman est l'architecture, principalement l'église (temple de pierre, ensembles monastiques).
Rococo (fr. rococo, de fr. rocaille - coquillage décoratif, coquillage, rocaille), moins souvent rococo - un style artistique (principalement en décoration d'intérieur), né en France dans la première moitié du XVIIIe siècle (pendant la régence de Philippe d'Orléans) comme développement du style baroque. traits caractéristiques Rococo sont raffinement, grande charge décorative des intérieurs et des compositions, rythme ornemental gracieux, grande attention à la mythologie, situations érotiques, confort personnel. Le style a reçu son plus haut développement en architecture en Bavière.

le romantisme

Le romantisme (fr. romantisme) est un phénomène de la culture européenne des XVIIIe-XIXe siècles, qui est une réaction aux Lumières et aux progrès scientifiques et technologiques stimulés par elles ; direction idéologique et artistique dans la culture européenne et américaine de la fin du 18ème siècle - la première moitié du 19ème siècle. Elle se caractérise par l'affirmation de la valeur intrinsèque de la vie spirituelle et créatrice de l'individu, image de passions et de caractères forts (souvent rebelles), de nature spiritualisée et guérisseuse.

Éclectisme

L'éclectisme (éclectisme, historicisme) en architecture est une tendance de l'architecture qui a dominé l'Europe et la Russie dans les années 1830-1890. L'utilisation d'éléments des styles architecturaux dits "historiques" (néo-Renaissance, néo-baroque, néo-rococo, néo-gothique, style néo-mauresque, style néo-byzantin, style pseudo-russe, style indo-sarrasin ) est appelé éclectisme dans la pratique soviétique et russe. Dans la critique d'art étrangère, les termes romantisme (pour le deuxième quart du XIXe siècle) et beaux-arts (pour la seconde moitié du XIXe siècle) sont utilisés sans connotation négative. L'éclectisme est inhérent, d'une part, à toutes les caractéristiques de l'architecture européenne des XV-XVIII siècles, et d'autre part, il a des propriétés fondamentalement différentes. L'éclectique conserve l'ordre architectural (contrairement à l'Art nouveau, qui n'utilise pas l'ordre), mais en lui il a perdu son exclusivité. Les formes et les styles d'un bâtiment dans l'éclectisme sont liés à sa fonction. Ainsi, dans la pratique russe, le style russe de K. A. Ton est devenu le style officiel de construction de temples, mais n'était pratiquement pas utilisé dans les bâtiments privés. L'éclectisme est « multistyle » dans le sens où les édifices d'une même époque relèvent d'écoles stylistiques différentes, selon la destination des édifices (temples, bâtiments publiques, usines, maisons particulières) et des fonds du client (il y a un décor riche qui remplit toutes les surfaces du bâtiment, et une architecture "brique rouge" économique). C'est la différence fondamentale entre l'éclectisme et le style Empire, qui imposait un style unique pour les édifices de tout type.

Technologie de pointe

Hi-tech (en anglais hi-tech, de haute technologie - haute technologie) est un style d'architecture et de design qui trouve son origine dans les profondeurs de l'architecture postmoderne dans les années 1970 et qui a été largement utilisé dans les années 1980. Les principaux théoriciens et praticiens de la haute technologie (pour la plupart, pratiquent, contrairement aux architectes du déconstructivisme et du postmodernisme) sont pour la plupart anglais - Norman Foster, Richard Rogers, Nicholas Grimshaw, à un certain stade de son travail James Stirling et l'italien Renzo Piano . La haute technologie, comme le postmodernisme et le déconstructivisme, est plus une approche de l'architecture qu'un style particulier. La haute technologie, selon la classification de Ch. Jenks, fait référence au modernisme tardif, c'est-à-dire qu'elle se caractérise par le pragmatisme, l'idée d'un architecte en tant que professionnel d'élite, la prestation d'architecture de service, la simplicité complexe, la forme sculpturale , hyperbole, fabricabilité, structure et design comme ornement, anti-historicité, monumentalité. Presque tous les critiques d'architecture, à la suite de Jencks, appellent les architectes high-tech la nouvelle génération de modernistes, car, malgré l'ironie des années 1970, ils ne rompent pas avec les traditions de l'architecture européenne, ils ne discutent pas avec Vitruve : leurs œuvres sont très fonctionnel, confortable et en eux a sa propre beauté. Mais si la haute technologie est l'apogée du modernisme, encore plus largement - l'apogée de l'idée de "modernité" en architecture, alors la haute technologie peut être considérée comme la fin poétique de toute une époque. Le Centre Pompidou à Paris (1977), construit par Richard Rogers et Renzo Piano, est considéré comme l'une des premières structures de haute technologie importantes à être mises en œuvre. Au début, le projet a été accueilli avec hostilité, mais dans les années 1990, la controverse s'est calmée et le Centre est devenu l'une des attractions reconnues de Paris (comme l'était autrefois la Tour Eiffel). En Angleterre, de véritables bâtiments high-tech sont apparus plus tard. Les premiers immeubles high-tech de Londres n'ont été construits que dans les années 1980 et 1990 (Lloyds building, 1986). Mise en œuvre un peu lente projets modernes dans l'esprit high-tech en Angleterre est associée à la politique du Prince Charles, qui lance alors une activité active dans le cadre du concours d'architecture pour la reconstruction du Paternoster Square (1988). Participant au débat architectural, le prince s'est prononcé en faveur des nouveaux classiques et contre les architectes de haute technologie, qualifiant leurs bâtiments de défigurer le visage de Londres. C. Jencks appelle "les rois à laisser l'architecture aux architectes", même l'opinion s'exprime qu'une nouvelle vague de monarchisme s'amorce avec la dictature du prince en architecture. Hi-tech depuis les années 1980 prestige exprimé (tous les immeubles high-tech sont très chers), C. Jenks les appelle des "cathédrales bancaires", on peut même dire que le high-tech moderne forme l'image des plus grandes firmes commerciales. A Londres, le débat architectural autour du high-tech s'est calmé, et ses plus brillants représentants sont reconnus et respectés (Norman Foster a reçu le titre de chevalier). Depuis les années 1990 la bio-tech et l'éco-tech se développent - les styles, par opposition à la high-tech, tentent de se connecter avec la nature, non pas de se disputer avec elle, mais d'entrer en dialogue (ceci est particulièrement visible dans les œuvres des architectes du patrie de la haute technologie - l'Angleterre et l'italien R. Piano) .
Les principales caractéristiques du style:
o L'utilisation des hautes technologies dans la conception, la construction et l'ingénierie des bâtiments et des structures.
o Utilisation de lignes droites et de formes simples.
o Large application de verre, plastique, métal.
o Structures métalliques tubulaires et escaliers menant à l'extérieur du bâtiment.
o Un éclairage décentralisé qui crée l'effet d'une pièce spacieuse et bien éclairée.
o Utilisation intensive de l'argent métallique.
o Grand pragmatisme dans l'aménagement de l'espace.
o Référence fréquente aux éléments du constructivisme et du cubisme (par opposition à la biotechnologie).
o À titre exceptionnel, sacrifier la fonctionnalité au profit d'un design et d'un style high-tech.

Le nombre de styles et de tendances est énorme, voire infini. La caractéristique clé par laquelle les œuvres peuvent être regroupées par style est les principes unifiés de la pensée artistique. Le changement de certains modes de pensée artistique par d'autres (alternance de types de compositions, de techniques de constructions spatiales, de traits de couleur) n'est pas fortuit. Notre perception de l'art est également historiquement changeante.
Construisant un système de styles dans un ordre hiérarchique, nous adhérerons à la tradition eurocentrique. Le plus important dans l'histoire de l'art est le concept d'une époque. Chaque époque est caractérisée par une certaine "image du monde", qui se compose d'idées philosophiques, religieuses, politiques, d'idées scientifiques, caractéristiques psychologiques vision du monde, normes éthiques et morales, critères esthétiques de la vie, selon lesquels ils distinguent une époque d'une autre. Ce sont l'âge primitif, l'ère du monde antique, l'antiquité, le moyen âge, la renaissance, le nouvel âge.
Les styles dans l'art n'ont pas de frontières claires, ils passent en douceur l'un dans l'autre et sont en développement, mélange et opposition continus. Dans le cadre d'un style artistique historique, un nouveau naît toujours et qui, à son tour, passe dans le suivant. De nombreux styles coexistent en même temps et donc" styles propres' n'arrive pas du tout.
Plusieurs styles peuvent coexister dans une même époque historique. Par exemple, le classicisme, l'académisme et le baroque au XVIIe siècle, le rococo et le néoclassicisme au XVIIIe siècle, le romantisme et l'académisme au XIXe siècle. Des styles tels que, par exemple, le classicisme et le baroque sont appelés grands styles, car ils s'appliquent à tous les types d'art : architecture, peinture, arts et métiers, littérature, musique.
Il convient de distinguer: les styles artistiques, les tendances, les tendances, les écoles et les caractéristiques des styles individuels des maîtres individuels. Au sein d'un même style, il peut y avoir plusieurs directions artistiques. La direction artistique est composée à la fois de signes typiques d'une époque donnée et de modes de pensée artistiques particuliers. Le style Art nouveau, par exemple, comprend un certain nombre de tendances du début du siècle : postimpressionnisme, symbolisme, fauvisme, etc. En revanche, le concept de symbolisme en tant que mouvement artistique est bien développé en littérature, alors qu'en peinture il est très vague et unit des artistes si différents stylistiquement qu'il n'est souvent interprété que comme une vision du monde qui les unit.

Vous trouverez ci-dessous les définitions des époques, des styles et des tendances qui se reflètent d'une manière ou d'une autre dans les beaux-arts et les arts décoratifs modernes.

	- un style artistique qui s'est formé dans les pays d'Europe occidentale et centrale aux XIIe-XVe siècles. C'était le résultat de l'évolution séculaire de l'art médiéval, son stade le plus élevé et en même temps le premier style d'art paneuropéen et international de l'histoire. Il couvrait toutes sortes d'art - architecture, sculpture, peinture, vitrail, conception de livres, arts et artisanat. La base du style gothique était l'architecture, caractérisée par des arcs en lancette s'élevant vers le haut, des vitraux multicolores, une dématérialisation visuelle de la forme. On trouve souvent des éléments de l'art gothique dans Design moderne intérieurs, en particulier, dans la peinture murale, moins souvent dans la peinture de chevalet. Depuis la fin du siècle dernier, il y a eu une sous-culture gothique, clairement manifestée dans la musique, la poésie et le design de mode.
	(Renaissance) - (Renaissance française, Rinascimento italien) Une époque du développement culturel et idéologique d'un certain nombre de pays d'Europe occidentale et centrale, ainsi que de certains pays d'Europe orientale. Principal caractéristiques distinctives Culture de la Renaissance: nature laïque, vision du monde humaniste, appel au patrimoine culturel ancien, une sorte de "renaissance" de celui-ci (d'où son nom). La culture de la Renaissance a les caractéristiques spécifiques de l'ère de transition du Moyen Âge au temps nouveau, dans laquelle l'ancien et le nouveau, entrelacés, forment un alliage particulier, qualitativement nouveau. Difficile est la question des limites chronologiques de la Renaissance (en Italie - 14-16 siècles, dans d'autres pays - 15-16 siècles), sa répartition territoriale et ses caractéristiques nationales. Les éléments de ce style dans l'art moderne sont souvent utilisés dans les peintures murales, moins souvent dans la peinture de chevalet.
	- (de l'italien maniera - technique, manière) une tendance de l'art européen du XVIe siècle. Les représentants du maniérisme se sont éloignés de la perception harmonieuse du monde de la Renaissance, du concept humaniste de l'homme en tant que création parfaite de la nature. Une perception aiguë de la vie était associée à un désir programmatique de ne pas suivre la nature, mais d'exprimer «l'idée intérieure» subjective de l'image artistique née dans l'âme de l'artiste. Le plus clairement manifesté en Italie. Pour le maniérisme italien des années 1520. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) se caractérisent par la netteté dramatique des images, la tragédie de la vision du monde, la complexité et l'expression exagérée des postures et des motifs de mouvement, l'allongement des proportions des figures, les dissonances coloristiques et d'ombre et de lumière . Récemment, il a été utilisé par les historiens de l'art pour désigner les phénomènes de l'art contemporain associés à la transformation des styles historiques.
	- style d'art historique, qui était à l'origine distribué en Italie au milieu. XVI-XVII siècles, puis en France, en Espagne, en Flandre et en Allemagne aux XVII-XVIII siècles. Plus largement, ce terme est utilisé pour définir les tendances sans cesse renouvelées d'une vision du monde agitée et romantique, pensant sous des formes expressives et dynamiques. Enfin, à chaque époque, dans presque tous les styles artistiques historiques, on peut trouver sa propre "période baroque" comme étape du plus haut essor créatif, tension des émotions, explosivité des formes.
	- style artistique dans l'art d'Europe occidentale XVII - début. XIX siècle et en russe XVIII - début. XIX, se référant à l'héritage antique comme un idéal à suivre. Il s'est manifesté dans l'architecture, la sculpture, la peinture, les arts et l'artisanat. Les artistes classiques considéraient l'Antiquité comme la plus haute réalisation et en faisaient leur norme dans l'art, qu'ils cherchaient à imiter. Au fil du temps, il renaît dans l'académisme.
	- un courant de l'art européen et russe des années 1820-1830, qui a remplacé le classicisme. Les romantiques ont mis l'individualité au premier plan, opposant la beauté idéale des classiques à la réalité « imparfaite ». Les artistes étaient attirés par des phénomènes lumineux, rares et extraordinaires, ainsi que par des images d'une nature fantastique. Dans l'art du romantisme, une perception et une expérience individuelles pointues jouent un rôle important. Le romantisme a libéré l'art des dogmes classiques abstraits et l'a tourné vers l'histoire nationale et les images du folklore.
	- (du lat. sentiment - sentiment) - une direction de l'art occidental de la seconde moitié du XVIIIe siècle, exprimant la déception face à une «civilisation» basée sur les idéaux de la «raison» (l'idéologie des Lumières). S. proclame le sentiment, la réflexion solitaire, la simplicité la vie rurale"petit homme". J. J. Rousseau est considéré comme l'idéologue de S..
	- une direction artistique qui s'efforce de montrer à la fois la forme extérieure et l'essence des phénomènes et des choses avec la plus grande vérité et fiabilité. Comment une méthode créative combine des caractéristiques individuelles et typiques lors de la création d'une image. La plus longue période de direction de l'existence, se développant de l'ère primitive à nos jours.
	- direction dans la culture artistique européenne de la fin du XIXe-début du XXe siècle. Né en réaction à la domination des normes de la "santé" bourgeoise dans la sphère humanitaire (en philosophie, en esthétique - positivisme, en art - naturalisme), le symbolisme a d'abord pris forme dans la littérature française de la fin des années 1860 et 1870, et s'est ensuite répandu en Belgique, en Allemagne, en Autriche, en Norvège, en Russie. Les principes esthétiques du symbolisme remontaient à bien des égards aux idées du romantisme, ainsi qu'à certaines doctrines de la philosophie idéaliste d'A. Schopenhauer, E. Hartmann, en partie F. Nietzsche, au travail et à la théorisation du compositeur allemand R Wagner. Le symbolisme opposait la réalité vivante au monde des visions et des rêves. Outil universel la compréhension des secrets de l'être et de la conscience individuelle était considérée comme un symbole généré par la perspicacité poétique et exprimant la signification d'un autre monde de phénomènes cachés à la conscience quotidienne. L'artiste-créateur était considéré comme un intermédiaire entre le réel et le suprasensible, trouvant partout des "signes" d'harmonie du monde, devinant prophétiquement les signes du futur tant dans les phénomènes modernes que dans les événements du passé.
	- (de l'impression française - impression) une tendance dans l'art du dernier tiers du 19e - début du 20e siècle, qui a surgi en France. Le nom a été introduit par le critique d'art L. Leroy, qui a commenté de manière désobligeante l'exposition d'artistes en 1874, où, entre autres, le tableau de C. Monet «Sunrise. Impression". L'impressionnisme affirmait la beauté du monde réel, mettant l'accent sur la fraîcheur de la première impression, la variabilité de l'environnement. L'attention prédominante à la résolution de problèmes purement picturaux a réduit l'idée traditionnelle du dessin comme composante principale d'une œuvre d'art. L'impressionnisme a eu un impact puissant sur l'art des pays européens et des États-Unis, a suscité l'intérêt pour les sujets de vrai vie. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, etc.)
	- un courant en peinture (synonyme de divisionnisme), qui s'est développé dans le cadre du néo-impressionnisme. Le néo-impressionnisme est né en France en 1885 et s'est également répandu en Belgique et en Italie. Les néo-impressionnistes ont essayé d'appliquer les dernières avancées dans le domaine de l'optique dans l'art, selon lesquelles la peinture, faite de points séparés de couleurs primaires, dans la perception visuelle donne une fusion des couleurs et toute la gamme de la peinture. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	post-impressionnisme- nom collectif conditionnel des principales directions de la peinture française au XIX - 1er trimestre. 20ième siècle L'art du post-impressionnisme est né en réaction à l'impressionnisme, qui fixait l'attention sur le transfert de l'instant, sur le sentiment de pittoresque et la perte d'intérêt pour la forme des objets. Parmi les post-impressionnistes figurent P. Cézanne, P. Gauguin, V. Gogh et d'autres.
	- style dans l'art européen et américain au tournant des XIX-XX siècles. L'Art nouveau a repensé et stylisé les caractéristiques de l'art de différentes époques et a développé ses propres techniques artistiques basées sur les principes d'asymétrie, d'ornementation et de décoration. Les formes naturelles deviennent aussi l'objet de stylisation de la modernité. Cela explique non seulement l'intérêt pour les ornements végétaux dans les œuvres de l'Art nouveau, mais aussi leur structure compositionnelle et plastique elle-même - une abondance de contours curvilignes, de shchix flottants, de contours inégaux, rappelant les formes végétales. Le symbolisme est étroitement lié à la modernité, qui a servi de base esthétique et philosophique à la modernité, s'appuyant sur la modernité comme une mise en œuvre plastique de ses idées. Moderne avait dans différents pays différents noms qui sont essentiellement synonymes : Art nouveau - en France, Sécession - en Autriche, Jugendstil - en Allemagne, Liberté - en Italie.
	- (du français moderne - moderne) le nom général d'un certain nombre de mouvements artistiques de la première moitié du XXe siècle, qui se caractérisent par le déni des formes traditionnelles et de l'esthétique du passé. Le modernisme est proche de l'avant-gardisme et opposé à l'académisme.
	- un nom qui fédère l'éventail des mouvements artistiques largement répandus dans les années 1905-1930. (Fauvisme, Cubisme, Futurisme, Expressionnisme, Dadaïsme, surréalisme). Tous ces domaines sont unis par la volonté de renouveler le langage de l'art, de repenser ses missions, de gagner en liberté d'expression artistique.
	- direction dans l'art au XIX - présent. XXe siècle, basé sur les leçons créatives de l'artiste français Paul Cézanne, qui a réduit toutes les formes de l'image aux formes géométriques les plus simples, et la couleur - aux constructions contrastées de tons chauds et froids. Le cézannisme a été l'un des points de départ du cubisme. Dans une large mesure, le cézannisme a également influencé l'école de peinture réaliste domestique.
	- (de fauve - sauvage) tendance avant-gardiste dans l'art français n. 20ième siècle Le nom «sauvage» a été donné par la critique moderne à un groupe d'artistes qui figurait en 1905 au Salon parisien des Indépendants, et était ironique. Le groupe comprenait A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen et d'autres. , la recherche des impulsions dans la créativité primitive, l'art du Moyen Age et de l'Orient.
	- simplification délibérée des moyens visuels, imitation des étapes primitives du développement de l'art. Ce terme fait référence à la soi-disant. l'art naïf des artistes qui n'ont pas reçu éducation spéciale, mais impliqué dans le processus artistique global du XIX - début. XXe siècle. Les œuvres de ces artistes - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov et d'autres se caractérisent par une sorte d'enfantillage dans l'interprétation de la nature, une combinaison de forme généralisée et de littéralité mesquine dans les détails. Le primitivisme de la forme ne prédétermine nullement le primitivisme du contenu. Il sert souvent de source aux professionnels qui ont emprunté des formes, des images, des méthodes à l'art populaire, essentiellement primitif. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse se sont inspirés du primitivisme.
	- une direction artistique qui s'est développée sur la base des canons de l'Antiquité et de la Renaissance. Il existait dans de nombreuses écoles d'art européennes du XVIe au XIXe siècle. L'académisme a transformé les traditions classiques en un système de règles et de réglementations "éternelles" qui entravaient les recherches créatives, tentait d'opposer la nature vivante imparfaite à des formes de beauté "élevées", améliorées, extra-nationales et intemporelles portées à la perfection. L'académisme se caractérise par une préférence pour les intrigues de la mythologie antique, les thèmes bibliques ou historiques aux intrigues de la vie contemporaine de l'artiste.
	- (cubisme français, de cube - cube) direction dans l'art du premier quart du 20e siècle. Le langage plastique du cubisme reposait sur la déformation et la décomposition des objets en plans géométriques, le déplacement plastique de la forme. La naissance du cubisme tombe sur 1907-1908 - la veille de la Première Guerre mondiale. Le leader incontesté de cette tendance était le poète et publiciste G. Apollinaire. Cette tendance a été l'une des premières à incarner les tendances dominantes dans le développement ultérieur de l'art du XXe siècle. L'une de ces tendances était la prédominance du concept sur la valeur artistique de la peinture elle-même. J. Braque et P. Picasso sont considérés comme les pères du cubisme. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris et d'autres rejoignent le courant naissant.
	- un courant littéraire, pictural et cinématographique né en 1924 en France. Il a grandement contribué à la formation de la conscience de l'homme moderne. Les principales figures du mouvement sont André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro et de nombreux autres artistes du monde entier. Le surréalisme exprimait l'idée d'une existence au-delà du réel, en particulier rôle important ils y acquièrent l'absurdité, l'inconscient, le rêve, la rêverie. L'une des méthodes caractéristiques de l'artiste surréaliste est la suppression de la créativité consciente, ce qui en fait un outil qui extrait de diverses manières des images bizarres du subconscient, apparentées à des hallucinations. Le surréalisme a survécu à plusieurs crises, a survécu à la seconde guerre mondiale et progressivement, fusionnant avec la culture de masse, se croisant avec la transavant-garde, est entré dans le postmodernisme comme partie intégrante.
	- (du lat. futurum - futur) mouvement littéraire et artistique dans l'art des années 1910. S'attribuant le rôle d'un prototype de l'art du futur, le futurisme comme programme principal a mis en avant l'idée de dissoudre les stéréotypes culturels et a proposé à la place l'apologie de la technologie et de l'urbanisme comme principaux signes du présent et de l'avenir. Une idée artistique importante du futurisme était la recherche d'une expression plastique de la rapidité du mouvement comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme portait le nom de kybofuturisme et était basée sur une combinaison des principes plastiques du cubisme français et du futurisme des paramètres esthétiques généraux européens.

Style(Stilos grecs - tige, bâton pour écrire) - une forme établie d'autodétermination artistique d'une époque, d'une région, d'une nation, d'un groupe social ou créatif ou d'un individu. La naissance des plus grands, dits "styles artistiques historiques", est déterminée par la logique interne du développement de la pensée artistique humaine, certaines façons de voir le monde, de comprendre les propriétés de l'espace et du temps dans lesquels une personne vit et agit . Les styles dans l'art n'ont pas de frontières claires, ils passent les uns dans les autres et sont en développement continu.

Roman (X-treizième siècle). Le mot "Romance" vient du latin romanus - Roman. Les bâtiments romans symbolisaient non seulement la continuité politique et culturelle de la Rome antique, mais témoignaient également du pouvoir illimité des nouveaux dirigeants de l'Europe, de la toute-puissance du Dieu chrétien. Le style roman en architecture se caractérise par l'utilisation de structures voûtées et voûtées, de murs massifs, de fenêtres étroites, de tours de différentes silhouettes dans les bâtiments. Le style se caractérise par la simplicité, l'opportunisme, la rigueur. Des temples, des complexes monastiques, des châteaux de chevaliers ont été construits dans le style roman.

Style gothique (XII-16e siècle). Le mot "gothique" vient du nom de la tribu germanique des Goths. Après le style roman, le gothique est devenu le deuxième canon du Moyen Âge et le premier style artistique paneuropéen de l'histoire. La base du style est l'architecture. Le besoin technologique d'alléger la voûte a donné lieu à un nouveau design.

Hauts arcs en lancette, voûtes d'ogives et système de cadre des appuis permettaient de bloquer des espaces gigantesques, d'augmenter la hauteur du bâtiment et de libérer les murs de la charge, sans crainte qu'ils ne s'effondrent. Les murs étaient percés d'immenses fenêtres et de vitraux, créant un jeu particulier de couleurs et de lumière. La verticale devient la principale dominante compositionnelle. Toutes ces techniques ont permis de créer une image artistique qui reflète l'aspiration irrationnelle et mystique de l'âme humaine vers le ciel. La cathédrale gothique la plus célèbre est la cathédrale Notre-Dame de France.

Baroque (fin XVIe - milieu XVIIIe siècle). L'ère baroque est associée à la montée de l'absolutisme, ainsi qu'au développement du théâtre et de l'opéra. Il est né en Italie, puis s'est répandu dans d'autres pays européens après la Renaissance. Le mot même "baroque" - d'origine portugaise et signifie "perle irrégulière". L'art baroque se caractérise par la grandiosité, la splendeur, la passion pour les effets spectaculaires, la combinaison du fantastique et du réel, les contrastes d'échelle et de rythme, de matières et de texture. Le principal moyen d'expression de l'art baroque est le jeu de la lumière et de l'ombre. Le baroque se caractérise par l'illusion picturale, c'est-à-dire le désir de tromper l'œil, de sortir de l'espace représenté dans l'espace réel.

Classicisme (XVII - début XIX V.). Le mot "classicisme" vient du latin classicus - de première classe, exemplaire. En Europe occidentale, le classicisme a dominé l'art aux XVIIe-XVIIIe siècles, en Russie - dans la seconde moitié des XVIIIe-XIXe siècles. Ce style artistique est la plus haute manifestation des idées d'intégrité compositionnelle, d'exhaustivité, d'équilibre. Exprime le désir de simplicité, de clarté, de rationalité, de logique de l'image artistique. Cet idéal s'est manifesté le plus clairement à l'époque des anciens classiques.

Par conséquent, dans la plupart des cas, la prédominance de la pensée classique signifie une orientation vers les formes de l'art ancien. En tant que méthode de pensée, le classicisme est normatif et systématique. Ce n'est pas un hasard si dans le classicisme il existe un système de règles et une théorie complète de la créativité artistique. Le classicisme met en avant des normes esthétiques telles que la résistance à la cruauté du destin et aux vicissitudes de la vie, la subordination du personnel au commun, les passions au devoir, à la raison et aux intérêts supérieurs de la société. Dans la littérature du classicisme, il y avait une hiérarchie stricte des genres: "haut" (tragédie, épopée, ode, peintures historiques, mythologiques, religieuses) et "bas" (comédie, satire, fable, peinture de genre).

La dernière étape du classicisme est le style Empire.

Rococo (première moitié du XVIIIe siècle). Le mot "rococo" vient du français "rocaille", qui signifie "asymétrique", "orné de boucles ornées". Répandu en France sous Louis XV. Le rococo, associé à la crise de l'absolutisme, se caractérise par un départ de la vie vers le monde de la fantaisie, du jeu théâtral et des intrigues pastorales, des situations érotiques. Le rococo dominait la décoration intérieure, la sculpture, la peinture et l'artisanat.

Direction- mouvement social, artistique ; la vision du monde d'une époque en évolution rapide, révélée dans l'art.

Romantisme (fin XVIIIe - début XIXe siècle). Le romantisme reflétait la déception face aux idées de la Révolution française et à la vision du monde des Lumières. La base de la vision du monde romantique est une discorde douloureuse entre l'idéal et la réalité sociale. Le changement dramatique de la vie quotidienne à la suite de l'industrialisation a forcé de nombreuses personnes à se tourner vers le monde des sentiments et des expériences émotionnelles. Les paroles ont prospéré dans la littérature européenne pendant cette période, les poèmes et les romans en vers sont devenus le genre principal.

Le romantisme se caractérise par l'opposition de deux mondes : le réel et l'imaginaire. En voyant le monde des vices dans la réalité contemporaine, le romantisme tente de trouver une issue à l'homme. Cette sortie est en même temps une sortie de la société en différentes options. Première option - le héros romantique entre dans le sien monde intérieur, le monde des passions et des expériences, le monde de la fiction et du rêve. Deuxième option - vol vers des pays exotiques. Une autre direction de soins peut être des soins à un moment différent. Le romantisme commence à idéaliser le passé, en particulier le Moyen Âge, y voyant une réalité différente, une culture dont les valeurs sont incomparables avec l'utilitarisme de la société moderne.

Réalisme (né à la Renaissance, s'est imposé comme une direction indépendante aux XIXe et XXe siècles). Terme au sens large du terme désignant le désir d'une réflexion plus complète, profonde et compréhensive de la réalité dans toutes ses manifestations. La tendance à la pensée réaliste se manifeste sous diverses formes dans divers types art, mouvements et styles artistiques. Le développement du réalisme pourrait exprimer le plus pleinement les contradictions du développement social.

Les principes directeurs du réalisme : une réflexion objective de la vie en combinaison avec l'idéal de l'auteur ; reproduction de personnages typiques, conflits, situations avec leur individualisation artistique; l'intérêt dominant pour le problème de "la personnalité et la société". Le réalisme a conduit à la floraison de tels genre littéraire comme un roman socio-historique. La littérature, à son tour, a influencé la peinture réaliste. Gustave Courbet(1819-1877) fut le premier qui, par rapport à ses peintures, commença à utiliser le terme "réalisme", qui signifie l'image de la réalité. Courbet a représenté des gens au travail, et non dans la joie et le contentement, comme on l'a souvent montré auparavant.

Naturalisme (dernier tiers du XIXe siècle). Le mot "naturalisme" vient du latin natura - nature. Une direction dans la littérature et l'art qui s'est efforcée d'une reproduction objectivement précise et impartiale de la réalité observée. Théoricien et leader du naturalisme était Émile Zola. Les représentants du naturalisme partaient du principe que le destin d'une personne est complètement prédéterminé par l'environnement social, le mode de vie, l'hérédité et la physiologie.

Historicisme, ou éclectisme (un courant en architecture, 1820-1920). Combinaison d'éléments de style différents ou choix arbitraire conception stylistique pour des bâtiments qui ont une signification et une destination qualitativement différentes. Lors de la construction structures diverses les architectes ont dans la plupart des cas recouru à la copie des styles du passé. Ces différents styles de construction sont unis par le nom commun "historicisme". L'utilisation de styles historiques dans l'architecture a montré la fierté de réalisations techniques XIXème siècle.

Symbolisme. Au sens large, le symbolisme est une propriété intégrale de l'art, puisque la créativité artistique est de nature symbolique. C'est une tendance de la pensée artistique qui, à différentes époques, a trouvé son expression dans l'art religieux, dans le romantisme, à l'époque moderne. Le symbolisme est une propriété essentielle de l'art, destinée à établir un lien entre le visible et le concret avec le domaine des représentations idéales.

En tant que tendance de l'art européen et russe au tournant des XIXe et XXe siècles, le symbolisme est imprégné de mysticisme, de mystère, du désir de comprendre les valeurs les plus élevées à l'aide de symboles, d'allégories et de généralisations. Exprimer l'inexprimable est la tâche du symbolisme. Le symbolisme est un monde à deux: le monde de la réalité quotidienne et le monde transcendant, c'est-à-dire le monde qui est au-delà de la perception sensorielle. Les symbolistes croyaient que l'art avait un pouvoir spécial et magique qui pouvait renouveler la vie, la vision du monde et la vie des gens.

Impressionnisme (dernier tiers du XIXe - début du XXe siècles). Le mot "impressionnisme" vient du français impression - impression. Le nom est né après l'exposition de 1874, qui présentait le tableau de Claude Monet « Impression. Soleil levant". Les impressionnistes étaient les innovateurs qui ont eu la plus grande influence sur le développement de l'art au XXe siècle. Les impressionnistes transmettaient des impressions par des moyens artistiques de la même manière que de brefs instants étaient enregistrés par une caméra.

Ils transmettaient l'impression extérieure de lumière, d'ombre, de reflets à la surface des objets avec des traits séparés. couleurs pures, qui dissout visuellement la forme dans environnement. La méthode de peinture était basée sur le principe de la perception contrastée des couleurs complémentaires. L'intrigue des peintures était d'une importance secondaire pour les artistes. Ils ont essayé de capturer le mouvement dans l'image et en même temps de dépeindre, de capturer les nuances fugaces de ce mouvement. Les artistes s'intéressaient particulièrement aux états instables et transitoires des phénomènes naturels (eau, nuages, lumière).

Post-impressionnisme ( fin XIX- le début du 20ème siècle). Post - après + impressionnisme. Désignation générale des divers mouvements artistiques de la peinture du XXe siècle qui sont nés en réaction à la méthode de l'impressionnisme : symbolisme, divisionnisme, expressionnisme, fauvisme, orphisme, cubisme. Les postimpressionnistes sont Georges Seurat,Paul Cézanne,Paul Gauguin,Vincent Van Gogh,Henri Toulouse-Lautrec, ainsi que des représentants du néo-impressionnisme et du groupe Nabis. Chaque artiste a suivi son propre chemin, formant sa propre méthode créative et son style artistique individuel.

Pointillisme, ou divisionnisme, ou néo-impressionnisme (fin XIXe siècle). Du français point - point, de lat. division - division. La méthode picturale et la tendance de la peinture post-impressionniste qui en découle, dans laquelle le travail sur l'image est effectué avec de petits traits séparés d'une forme pointillée ou rectangulaire de couleur pure. Coups de peinture couleur différente aurait dû être mélangé optiquement lorsque l'image était perçue par le spectateur à une certaine distance, et non mécaniquement sur la palette de l'artiste, comme cela a toujours été le cas.

Art Nouveau (fin 19ème - début 20ème siècle). Le nom russe du style, respectivement, en français "l" art nouveau "est un nouvel art. Le moderne est un ensemble de tentatives visant à former un style d'art éclectique holistique et opposé dans l'architecture et l'art décoratif. Les représentants du moderne ont utilisé de nouvelles techniques constructives moyens (métal, verre, céramique) , planification libre, une sorte de décor architectural pour créer des bâtiments individuels insolites et mis en valeur (principalement des hôtels particuliers urbains), dont tous les éléments étaient soumis à un rythme ornemental unique et à une conception symbolique particulière. L'art décoratif de la modernité se distingue par la poétique du symbolisme, le rythme décoratif des lignes souples et fluides, le motif floral stylisé.

Décadence, ou décadence (seconde moitié du XIXe - début du XXe siècles). Du mot français décadence - décadence, déclin. Le nom général des phénomènes de crise de la culture européenne, qui se caractérisent par des humeurs de désespoir, de rejet de la vie, d'individualisme. Les thèmes constants de la décadence sont les motifs de non-existence et de mort, le désir de valeurs spirituelles, le rejet des idéaux civils, la foi en la raison, qui est associée au rôle croissant de l'intellect. La décadence s'est généralisée en Russie, notamment après la révolution de 1905-1907, dans l'œuvre de plusieurs maîtres des associations du Monde de l'Art et de la Rose Bleue.

Avant-garde (XXe siècle). Terme désignant un ensemble coloré et diversifié de mouvements et de tendances innovants, révolutionnaires et rebelles dans la culture artistique du XXe siècle. Les phénomènes d'avant-garde caractérisent toutes les étapes de transition de l'histoire de la culture artistique, certains types art. Cependant, au XXe siècle. l'avant-garde a acquis une importance mondiale en tant que phénomène puissant de la culture artistique, associé à un tournant dans les processus culturels et civilisationnels provoqué par les progrès scientifiques et technologiques du XXe siècle. La tendance principale de l'avant-garde est le rejet des traditions et la recherche expérimentale de nouvelles formes.

Expression extrême d'une direction plus large du modernisme, l'avant-garde cherche diverses manières d'influencer directement les lecteurs, les auditeurs, les téléspectateurs. Produire choc, scandale, choquant - sans cela, l'art d'avant-garde est impossible. L'essentiel est l'efficacité de l'art - il est conçu pour étonner, remuer, provoquer une réaction active chez une personne de l'extérieur. En même temps, il est souhaitable que la réaction soit immédiate, instantanée, excluant une perception longue et concentrée de la forme et du contenu esthétiques. L'incompréhension, totale ou partielle, entre organiquement dans le projet de l'avant-gardiste. La chose la plus essentielle dans l'avant-garde est son caractère inhabituel, accrocheur.

Les principes de l'avant-garde ont été adoptés par le cubisme, le futurisme, le dadaïsme, l'art abstrait, le surréalisme, l'expressionnisme, le constructivisme et d'autres mouvements. L'avant-garde russe dans les arts visuels comprend M.Chagall,K. Malevitch,V. Kandinsky. C'est l'avant-garde qui, en assouplissant et en détruisant les normes et principes esthétiques traditionnels, les formes et les méthodes d'expression artistique et en ouvrant la possibilité d'innovations illimitées, souvent basées sur les dernières avancées de la science et de la technologie, a ouvert la voie à la transition de la culture artistique à une nouvelle qualité. Avec cela, l'avant-garde a rempli sa fonction dans la nouvelle culture européenne et a essentiellement mis fin à son existence en tant que sorte de phénomène mondial dans les années 1960 et 1970.

Modernisme (fin XIXe - milieu XXe siècles). La désignation générale des phénomènes de l'art et de la littérature, affirmant une nouvelle approche de la représentation de la vie. Le modernisme combine de nombreuses tendances et tendances idéologiques et artistiques relativement indépendantes, différentes par leur échelle sociale et leur signification culturelle et historique (fauvisme, expressionnisme, symbolisme, cubisme, abstractionnisme, constructivisme). La formation du modernisme en tant que système artistique et esthétique légitime a été préparée par ses étapes telles que la décadence et l'avant-garde. La prédominance des couleurs sombres, des humeurs pessimistes et des pressentiments anxieux et languissants, la conscience de l'inconnaissabilité et de l'immuabilité du monde inhumain - une telle humeur émotionnelle des œuvres du modernisme.

Postmodernisme (seconde moitié du XXe siècle). Vers le milieu du XXe siècle. le postmodernisme était compris comme la phase moderne du développement de la culture européenne. D'éminents politologues occidentaux interprètent le postmodernisme comme le symbole d'une société postindustrielle. Le postmodernisme est un large courant culturel dans lequel la philosophie, l'esthétique, l'art et les sciences humaines tombent en orbite.

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