Peinture murale moderne. peinture intérieure
Peinture décorative à l'intérieur des appartements - peintures et fresques
Les beaux-arts améliorent et accentuent l'expressivité d'un certain style, soutiennent le concept de conception d'appartement et peuvent devenir le principal détail formant le style. peuple primitif ils ont appliqué des peintures rupestres sur les murs de leur grotte, c'est ainsi que s'est manifesté le désir naturel d'une personne de rendre une habitation confortable et belle.
Des siècles plus tard art muralà l'intérieur, accrocher des tableaux, peindre des plafonds sont les principales techniques décoratives.
Fresques à l'intérieur
Traduit de l'italien, le mot "fresco" signifie "frais". Une fresque est une peinture artistique sur plâtre humide, c'est l'une des plus anciennes techniques de décoration murale.
Nul ne peut citer la date exacte de l'apparition des fresques. Des temples de la Renaissance ont survécu jusqu'à nos jours, dont les murs ont été décorés par les plus grands artistes virtuoses : Michel-Ange, Raphaël, Léonard de Vinci. Dans l'art des chrétiens, la fresque était un moyen préféré de décorer non seulement les temples en pierre, mais aussi les palais et les châteaux.
Fresque réalisée avec art intérieur classique- pas seulement un élément de décor, mais aussi un moyen d'accentuer la zone fonctionnelle.
- Dans la conception de la salle de bain, le mur peint attire l'attention dans la zone de la police, les scènes pastorales et les motifs naturels ont un effet relaxant.
- Des fresques à l'intérieur de la cuisine et de la salle à manger mettent en valeur la zone de la table à manger.
Le dessin est souvent encadré de fines moulures, pierre décorative. Des fresques murales colorées ou pastel à l'intérieur de la cuisine complètent ainsi et ordonnent la composition.
- Fresques à l'intérieur du couloir - la possibilité est déjà dans la conception groupe d'entrée souligner le style classique des appartements.
Un rétroéclairage jaune chaud crée l'effet des rayons du soleil.
- Une fresque à l'intérieur d'un salon peut remplir deux tâches.
Elle concentre son regard sur l'un des murs comme un prolongement visuel de la pièce - en utilisant l'image d'une véranda ou d'une terrasse.
La deuxième option: tous les murs sont décorés de peintures, en règle générale, en utilisant la technique grisal (dessin monochrome) - l'effet d'un fond en sourdine avec une parcelle de paysage est obtenu. DANS conception classique les fresques murales à l'intérieur du salon peuvent être complétées par des panneaux de bois.
- La fresque s'intègre parfaitement à l'intérieur de la chambre, lorsque les couleurs adoucies soulignent l'ambiance calme de la pièce.
Vous pouvez placer l'image sur le mur derrière la tête du lit et mettre en valeur la niche avec des projecteurs. Si vous peignez le mur latéral à côté du lit, il y aura l'illusion d'une fenêtre supplémentaire.
À l'aide d'images sur des thèmes antiques, historiques ou modernes, une fresque murale à l'intérieur crée une atmosphère unique. Si vous continuez à dessiner sur les ouvertures de porte et de fenêtre, vous obtenez un tracé complet.
Fresques dans un intérieur moderne
La production de fresques modernes est basée sur des matériaux respectueux de l'environnement. Aujourd'hui, les fresques sur les murs à l'intérieur sont des toiles qui peuvent être facilement collées sur n'importe quelle base.
La base peut imiter un vieux mur, dans ce cas le maître la recouvre de petites fissures - craquelures. Toutes les œuvres sont réalisées à la main par des artistes. commandes individuelles. Les fresques peuvent être de différentes tailles, elles sont durables et n'ont pas peur de l'eau.
Avec des fresques modernes faites à la main à l'intérieur de l'appartement sont Technologies les plus récentes, grâce auquel il est possible de créer des images en trois dimensions avec un effet 3D. Un tel dessin semble vivant et naturel.
Images dans la conception des chambres
Les peintures apportent harmonie, beauté, individualité à l'intérieur. Des reproductions habilement placées aident à transformer la maison, à la rendre confortable.
Les peintures peuvent être considérées comme l'une des décorations traditionnelles dans une grande variété de styles. Une peinture soigneusement sélectionnée à l'intérieur de l'appartement participe à l'organisation artistique de l'espace:
- ajoute du volume visuel;
- rend la situation plus contrastée;
- accumule la palette de couleurs de l'intérieur en un seul endroit, créant un accent;
- souligne l'ambiance de la pièce;
- transmet les caractéristiques d'un certain style. Par exemple, la peinture japonaise est incluse à l'intérieur lorsque le design de la pièce est proche du thème oriental.
Comment mieux accrocher une photo
Choisir une image est la moitié de la bataille, l'art de peindre à l'intérieur nécessite conception correcte et le bon endroit.
- Proportions et échelle
Lors du choix d'un emplacement, vous devez tenir compte de la taille de la pièce et des dimensions des meubles qui se trouveront à côté de la reproduction. Sur un grand mur vide ou à côté d'un canapé volumineux, une petite image sera perdue. Dans ce cas, il vaut mieux accrocher non pas un, mais plusieurs tableaux ou trouver un endroit plus isolé pour le tableau.
- Former
Si vous avez besoin de décorer le mur au-dessus de la tête du lit ou au-dessus du canapé dans le salon, une toile orientée horizontalement aura l'air harmonieuse. Pour un mur étroit, il faut choisir une toile verticale.
- Décor
Pour que la peinture décorative à l'intérieur corresponde au style de l'appartement, il est préférable de ne pas encadrer les peintures abstraites pour un cadre moderne, mais les environnements classiques ont besoin de belles baguettes sculptées.
Le papier peint avec des dessins attirera toute l'attention sur lui-même, ainsi que sur le quartier avec le téléviseur. Par conséquent, la base la plus favorable pour l'image est un mur uni.
Si vous souhaitez accrocher plusieurs reproductions à la fois au même endroit, utilisez notre sélection de compositions à partir de tableaux de différents formats :
Peindre dans un intérieur classique
Le choix des peintures ici dépend de la nature de la conception. Si la situation est maintenue dans un style historique strict, la sélection de reproductions doit être limitée aux paysages, natures mortes, portraits peints dans la technique du réalisme. La solidité des peintures Peinture à l'huile il vaut la peine de soutenir avec des cadres massifs sculptés. Les œuvres à l'aquarelle et au pastel forment un passe-partout et sont placées sous verre antireflet.
Si le design de la pièce gravite vers le néoclassicisme, des thèmes plus modernes (urbains, croquis domestiques) feront l'affaire.
Peintures dans un cadre contemporain
Minimalisme, hi-tech, loft se concentrent sur une sensation d'espace et de lumière, créant un confort avec un minimum de détails. C'est pourquoi la peinture abstraite dans intérieur moderne- avec elle couleurs vives, contours graphiques et concision - renforce logiquement le concept choisi.
La capacité des abstractions à évoquer à chaque fois de nouvelles associations dans le spectateur vous permet de rendre le design vivant et intéressant. Et les accents de couleurs chaudes des peintures donnent du confort aux styles urbains.
Peinture artistique des murs et des plafonds, des panneaux décoratifs, des peintures de design d'intérieur - pas seulement de la décoration et un moyen de créer une ambiance. C'est une technique efficace pour soutenir l'idée stylistique, ajuster l'espace, se concentrer sur une zone spécifique.
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Peinture décorative à l'intérieur
Introduction
1.5 Objet et justification du choix
1.6 Brève description des lieux
Chapitre 2. Partie spéciale. Panneau décoratif
2.1 Projet et justification de la solution de conception
2.1.1 Parcelle panneau décoratif
2.1.2 Sélection des formats
2.1.3 Composition en peinture décorative
2.1.4 Coloration
2.2 Technologies et matériaux utilisés dans les travaux pratiques
2.2.1 Base des panneaux décoratifs
2.2.2 Matières colorantes
2.2.3 Brosses
2.3 Mise en œuvre de la partie pratique
Chapitre 3. Volet économique
Chapitre 4. Protection et sécurité du travail
4.1 Sécurité au travail et code du travail
4.2 Description de l'emploi artiste
4.3 Consignes de protection du travail pour l'artiste
Conclusion
Liste bibliographique
Liste des illustrations
Application
Introduction
Le choix de ce sujet de recherche est dû à la pertinence de la peinture décorative pour la conception d'un intérieur moderne.
Le design d'intérieur moderne ne peut être imaginé sans œuvres d'art - peintures, sculptures, photographies. La peinture joue un rôle important dans l'organisation de l'espace intérieur d'une pièce et remplit non seulement les fonctions de décoration, mais modifie également la perception visuelle, enrichit l'espace intérieur et forme un style unique.
À tout moment, les intérieurs uniques et individuels ont été valorisés. De tels intérieurs sont assimilés à des œuvres d'art, ils sont individuels et cette individualité est déterminée par un certain nombre de caractéristiques, de finitions de sol et de plafond, de meubles installés dans la pièce et de décor.
Les designers professionnels se tournent souvent vers des objets faits à la main - de telles choses rendent l'intérieur individuel. Un tel élément de décor est un panneau décoratif, réalisé en fonction des intérêts d'une personne. Il est capable d'enrichir l'espace et de mettre l'accent nécessaire sur le design d'intérieur. Le panneau peut être fabriqué pour n'importe quel intérieur et n'importe quelle échelle - selon les souhaits du client et le format de la pièce.
Panneau (du lat. Pannus - un morceau de tissu) - une peinture à caractère décoratif, généralement destinée à remplir de manière permanente n'importe quelle section du mur (panneau mural) ou du plafond (plafond). Un panneau décoratif peut être réalisé comme un élément indépendant de l'intérieur ou occuper une surface importante de la pièce.
Un panneau décoratif est une peinture, réalisée sur les murs ou sur toile en utilisant une variété de effets décoratifs. Le panneau décoratif est réalisé comme un élément indépendant sous la forme élément décoratifà l'intérieur, ou occupe une surface importante de la pièce, lorsque les murs et le plafond forment une parcelle interconnectée.
Un panneau décoratif réalisé sur toile fait partie des options pour décorer un espace de vie. Comme base, vous pouvez prendre une composition d'intrigue qui correspond aux intérêts d'une personne, capable de ne pas la laisser indifférente. Après avoir sélectionné avec succès la technique et la palette de couleurs, il est facile d'améliorer l'état d'esprit d'une personne. Les images réalisées sur toile avec des peintures acryliques sont élégantes et inhabituelles. L'acrylique a la capacité d'attirer l'attention avec sa brillance noble, ses modulations extraordinaires, son ornement fantastique.
but thèse est l'étude de la peinture décorative (en tant que technique) à l'intérieur, en tenant compte des tendances de la mode et Travaux pratiques sous la forme d'un panneau décoratif basé sur l'intrigue du film "Death proof" de Quentin Tarantino.
Le sujet de la recherche est le processus de développement d'un projet de panneau décoratif pour un intérieur moderne.
La signification théorique de cette étude réside dans l'enrichissement et la reconstitution des connaissances, qui seront ensuite utilisées dans les futures activités de conception et artistiques.
L'importance pratique est d'appliquer les connaissances pour créer un projet de conception d'un panneau décoratif et de le traduire en matériau.
Lors de la rédaction de la thèse, les tâches suivantes ont été définies :
1. Recueillir et analyser des informations sur ce sujet ;
2. Étudier l'histoire du développement de l'art monumental - décoratif ;
3. Se familiariser avec les techniques et les caractéristiques de l'art décoratif ;
4. Étudier les techniques, méthodes et moyens de travailler les peintures acryliques, directement sur le sujet de la thèse ;
5. Étudier l'influence de la peinture décorative sur la perception sensorielle de l'intérieur par une personne ;
6. Étudier les caractéristiques de la composition et de la couleur dans la peinture décorative ;
7. Élaborer une ébauche de conception d'un panneau décoratif;
8. Transformez le projet en matériau.
Le travail de diplôme s'est déroulé en plusieurs étapes :
1. Étude détaillée du sujet et analyse des informations ;
2. Élaboration de croquis et d'options de brouillon;
3. Création de la partie théorique de la thèse ;
4. Incarnation du projet dans le matériel.
Structure du projet de fin d'études :
1. Partie théorique (l'histoire du développement de l'art décoratif et monumental, la technique de la peinture décorative et du graphisme, la décoration d'une salle de repos de bureau);
2. Partie spéciale (justification de la solution de conception, techniques et matériaux, avancement des travaux) ;
3. Volet économique (détermination du coût de réalisation des travaux, du coût d'un panneau décoratif)
4. Protection et sécurité du travail (protection du travail, code du travail, description de poste de l'artiste)
5. Partie pratique (croquis, panneau décoratif)
Chapitre 1. La partie principale. Peinture décorative à l'intérieur
Le terme "art décoratif" vient du mot latin "décor" - "je décore" et fait référence aux arts plastiques. Dans les arts décoratifs, étroitement imbriqués dans la vie quotidienne pour créer des objets individuels ou des décors architecturaux, diverses techniques sont utilisées. Le décor des œuvres d'art décoratif consiste en une combinaison de finalités utilitaires et esthétiques.
Les arts plastiques sont aussi appelés spatiaux, c'est-à-dire ces types d'art visuel qui existent dans l'espace, sans changer dans le temps, et sont conçus pour former l'environnement matériel-objet-spatial entourant une personne, en y introduisant un début figuratif et esthétique.
Les arts plastiques se divisent en deux catégories :
1. Beaux-arts. Ceux-ci incluent la peinture, la sculpture, le graphisme, la photographie ;
2. Architecture et arts et métiers (art populaire et design).
L'art décoratif est l'art de créer des articles ménagers dont le but est de satisfaire les besoins pratiques et artistiques - esthétiques des personnes. Les qualités esthétiques d'une œuvre d'art décoratif sont déterminées par sa apparence: le matériau à partir duquel il est fabriqué et la technique de fabrication.
La finition décorative, la peinture extérieure et intérieure utilisent des moyens plus visuels. Un panneau décoratif et une statue peuvent être considérés comme faisant partie d'un ensemble architectural et comme des œuvres d'art indépendantes. Avec le développement du design, destiné à améliorer les qualités esthétiques du monde objectif, la production de produits d'arts décoratifs et appliqués se limite de plus en plus à la création de petites séries voire d'œuvres individuelles, ce qui rend ces œuvres élitistes et exclusives.
Les arts décoratifs sont étroitement liés à l'architecture et au design. Le concept d'art décoratif comprend:
1. Monumental - art décoratif. Ce sont de grandes œuvres d'art qui servent à décorer les structures architecturales et les territoires qui leur sont adjacents, à savoir : vitraux, mosaïques, peintures murales, reliefs : sur les façades et dans les intérieurs ; jardin paysager décoratif et sculpture monumentale;
2. Arts décoratifs et appliqués. Il s'agit de la production de produits artistiques qui servent à décorer la vie d'une personne. Il s'agit notamment de la vaisselle, des meubles, des tissus, des vêtements, des bijoux, des jouets, appareils électroménagers etc.;
3. Art de la conception. Il s'agit d'œuvres à caractère temporaire ou permanent avec des informations changeantes. Ils servent à décorer des événements sociaux ou sont informatifs. Il s'agit notamment de la décoration festive des rues, des places, des zones industrielles de manifestations, des fêtes folkloriques, des spectacles sportifs et des défilés, ainsi que de la conception de vitrines, de divers types d'expositions, de fiches d'information et d'affiches.
Ainsi, les œuvres d'art décoratif sont toujours associées à l'environnement auquel elles sont destinées. L'art décoratif vise à créer de belles choses et des œuvres monumentales, avec une image holistique et esthétiquement expressive.
La décoration est l'un des principaux moyens artistiques oeuvres d'art monumental et décoratif. Il fait également partie des œuvres arts visuels, à la fois chevalet et artisanat d'art, entrant en relation avec l'architecture et formant un ensemble artistique.
La décoration porte non seulement des signes du temps, mais aussi des idées sociales, culturelles, techniques et tendances de la mode. Les objets d'art monumental et décoratif, ainsi que les objets des beaux-arts, ne peuvent avoir qu'un but esthétique, et ne portent aucune charge utilitaire. Leur but est uniquement d'enrichir l'intérieur d'éléments architecturaux ou graphiques, et de créer un accent décoratif. peintre muraliste en peinture décorative
Monumental - L'art décoratif est l'une des composantes de l'art décoratif en général. Il s'agit d'un art spatial plastique associé à l'architecture et à l'espace environnant, qui comprend des œuvres grand format achevées idéologiquement. L'art monumental et décoratif comprend des œuvres telles que:
1. La sculpture monumentale est un type d'art dont les œuvres sont étroitement liées à l'environnement architectural et sont dédiées à de grands événements ou personnages historiques. Les traits distinctifs de la sculpture monumentale sont : la grande échelle, l'unité avec l'environnement architectural et spatial. La sculpture monumentale est réalisée sous la forme de monuments commémoratifs, de monuments, de monuments, de stèles, d'obélisques, de colonnes rostrales, d'arcs de triomphe, de colonnes et de portes. Un excellent exemple la sculpture monumentale est le monument à Pierre I - un monument équestre en bronze devant le château Mikhailovsky à Saint-Pétersbourg, réalisé par le sculpteur italien Carl Rastrelli.
2. Monumentale - sculpture décorative. Il sert à décorer les façades, les intérieurs des bâtiments, et peut aussi être un élément d'un ensemble paysagiste. La sculpture décorative sert d'élément porteur de la structure architecturale du bâtiment, par exemple : l'atlas supporte la corniche ou le balcon, la cariatide est une figure féminine, c'est le support de la poutre dans le bâtiment et le protomé. Un grand nombre de types de sculptures monumentales - décoratives constituent une décoration intérieure: arcoterium, biga, canephora, chapiteau, mascaron, métope, pandatif, plafond, portail, rosace, frise et fronton. Exemple : La figure d'un atlas décorant le Grand Palais de Tsarskoïe Selo.
3. Peinture monumentale et monumentale - décorative - c'est la peinture sur des structures architecturales, caractéristique- dimensions gigantesques et attachement aux surfaces architecturales. Les principaux types de peinture monumentale sont : la fresque, le secco, la mosaïque, le vitrail, les peintures décoratives et les panneaux décoratifs. Un exemple de peinture monumentale sont les fresques de la Chapelle Sixtine réalisées par un groupe d'artistes florentins (Botticelli, Perugino, Ghirlandaio et Cosimo Rosselli).
La peinture monumentale-décorative est étroitement liée aux structures architecturales ou aux œuvres d'art appliqué. Dans le premier cas, une telle peinture est également appelée peinture monumentale en raison de sa taille et de la force de son lien étroit avec l'architecture, qui est de nature monumentale.
La peinture monumentale et décorative comprend :
1. La fresque est une technique ancienne de peinture monumentale, dont l'une des caractéristiques consiste à dessiner une image avec des peintures solubles dans l'eau sur une base brute. La base de la fresque est le gesso ou le plâtre - un mélange de chaux éteinte et de sable. Les peintures Fresco sont des pigments naturels dilués avec de l'eau ordinaire. Après séchage de la base, les peintures appliquées sur le plâtre humide ne font qu'un avec elle, un film transparent de calcium se forme à la surface de la chaux séchée, protégeant la peinture pendant des siècles.
2. Mosaïque - art monumental et appliqué décoratif de création d'œuvres, dont la création se produit lors de la frappe, de l'arrangement et de la fixation de murs multicolores sur la surface carreaux de céramique, smalt et autres matériaux. La popularité des mosaïques à tout moment, en raison de sa durabilité et de ses propriétés particulières : résistance à la chaleur, résistance aux chocs et résistance à l'eau. La sécurité à long terme de la mosaïque est assurée par les matériaux à partir desquels elle est créée: pierres, smalt et céramique - ils ne changeront pas et conserveront leur couleur pendant de nombreuses années, un exemple est la face avant de la boîte sumérienne "Standart of Our ».
3. La peinture décorative est une sorte de peinture monumentale, largement utilisée dans décoration intérieurs, créant des compositions monumentales étroitement liées à l'architecture : ils peignent plafonds, murs, voûtes dans le même style. Les peintures murales sont réalisées avec des peintures à l'huile, à l'acrylique ou à la détrempe directement sur les surfaces en plâtre des structures architecturales.
4. Panneaux décoratifs - panneaux pittoresques réalisés sur toile et fixés aux murs ou au plafond, en utilisant divers effets décoratifs. Un panneau décoratif peut être utilisé comme insert décoratif à l'intérieur ou occuper une partie importante de la pièce.
5. Vitrail - une œuvre d'art monumentale, faite de verre coloré et peint ou d'autres matériaux transmettant la lumière, sert à remplir ouvertures de fenêtres dans la construction architecturale. Dans les vitraux modernes, on utilise du verre incolore, du verre coulé, du verre brisé épais (le verre coulé et pressé reçoit toutes sortes de textures et de degrés de transparence), divers verres colorés et des miroirs. Il existe également différents types de traitement du verre pour le vitrail : gravure, peinture, sablage, etc. Un exemple célèbre est celui des vitraux de la cathédrale de Canterbury au Royaume-Uni.
6. Sgraffite - peinture murale décorative unicolore ou multicolore, dont la technique consiste en l'imposition progressive de plusieurs couches de plâtre de différentes couches. Après séchage, la couche externe est rayée ou complètement éliminée, créant ainsi un motif ou un motif.
Les œuvres de peinture monumentale sont résolues de manière tridimensionnelle-spatiale ou planaire-décorative. Ils peuvent être la dominante de l'ensemble architectural, ou ils ne peuvent décorer que la surface.
1.2 Histoire de la peinture décorative
La peinture monumentale revêt une grande importance dans le développement général de l'art pictural car les premières œuvres de peinture que nous connaissons sont apparues sur les murs des habitations ("peinture rupestre") des premiers hommes sur terre.
L'histoire du développement de la peinture décorative a plusieurs millénaires. Ses exemples les plus anciens sont des images rupestres d'animaux peintes sur les parois des grottes. Le moment exact du dessin de ces images est inconnu, mais les scientifiques les attribuent au paléolithique, la soi-disant période de la pierre ancienne. Les images étaient exécutées sous forme de relief ou rayées avec un outil pointu, et également appliquées avec de l'argile rouge, de la suie noire et du brun, composées de deux couleurs mélangées à de la graisse ou de la moelle osseuse. Ces images plutôt réalistes d'animaux herbivores et prédateurs peuvent déjà être pleinement qualifiées de peinture.
Ces images sont souvent placées dans des coins et recoins sombres, sur des plafonds, c'est-à-dire. Dans de tels endroits, ils étaient difficiles, et parfois impossibles, peut-être que les images n'étaient pas faites pour décorer les grottes, mais comme des talismans religieux ou magiques. Soit ils étaient les totems des ancêtres du clan, soit ils devaient attirer les animaux peints comme proies des chasseurs. Les dessins étaient appliqués juste avant la chasse, comme un rituel ; on croyait qu'après l'exécution de ce rituel, la chasse serait couronnée de succès.
La peinture des tombes égyptiennes antiques (images de l'au-delà, y compris scènes quotidiennes et de bataille, images animalières) a atteint un niveau de perfection particulièrement élevé, avec son rythme musical et sa clarté de composition, son raffinement des lignes. Un look plus développé et fini a des peintures décoratives en Egypte. Ces images n'étaient pas décoratives, mais faisaient partie du rituel funéraire : après l'inhumation, les entrées des tombes étaient murées. Contrairement à d'autres cultures, la peinture égyptienne était de nature conventionnelle : le visage était dessiné de profil avec l'œil de face, les épaules tournées vers l'avant, mais les jambes étaient représentées de profil. Malgré ces conventions, les images des Égyptiens ne sont pas dépourvues de réalisme dans le transfert des mouvements de diverses figures et la caractérisation des types de visage, sous les formes d'animaux et d'oiseaux, avec leurs habitudes inhérentes, leurs postures caractéristiques.
Plus tard, des images apparaissent sur les murs des temples et deviennent disponibles pour la contemplation. Ils louent les exploits et les actes des divinités ou de leur représentant sur terre - le pharaon. La figure du pharaon est toujours représentée comme beaucoup plus grande que les simples mortels. Sur les murs extérieurs, des images visibles par tous sont conçues pour influencer les larges masses et sont destinées à décorer le bâtiment. Ainsi, à côté de la peinture et des reliefs, apparaissent les ornements, picturaux et reliefs, comme s'ils continuaient et diversifiaient les formes architecturales.
L'ornement représentait d'abord des faisceaux, des bouquets, des guirlandes, qui étaient attachés aux murs ou aux colonnes de structures. Ces images étaient de nature naïve et réaliste, puis progressivement simplifiées. Le rythme naturel des fleurs, des feuilles, des palmes, des animaux a inspiré l'artiste à introduire des rythmes dans l'agencement des objets représentés. Il répétait à distances égales les mêmes chiffres, au moins approximativement. Les formes réelles des objets, simplifiées, se sont progressivement transformées en figures abstraites - symboles d'objets et de concepts. Ainsi, des formes ornementales ont été obtenues, dans lesquelles il est difficile de déchiffrer leur origine et ont, en plus de signification symbolique, et remplir la fonction de décorer l'intérieur et l'extérieur.
Dans l'Antiquité, la peinture est encore en synthèse avec l'architecture et la sculpture, servant avec elles des objectifs non seulement religieux, mais aussi profanes. En 2000 av. La Crète devient un médiateur culturel entre l'Égypte et la Grèce. À Knossos et dans d'autres palais de l'île, de nombreux fragments de fresques, réalisés dans un style réaliste (naturaliste) vivant, ont été conservés, ce qui distingue grandement cet art de la peinture égyptienne. se produit (surtout dans La Grèce ancienne) conscience de la signification sociale, morale et éducative de la peinture, ainsi que de tout art en général. Le développement de ce genre à l'époque classique est attesté par de nombreuses références dans les sources écrites ; les peintures murales de Polygnote dans les Propylées étaient particulièrement célèbres Acropole athénienne. De beaux exemples de peinture monumentale de la Rome antique ont été conservés sous une couche de cendre sur les murs des maisons des villes de Pompéi, Herculanum et Stabie, mortes lors de l'éruption du Vésuve en 79, ainsi qu'à Rome. Ce sont des compositions multicolores avec une variété de sujets, des motifs architecturaux aux cycles mythologiques complexes, dans de telles compositions on peut voir la connaissance de l'artiste de la nature et la capacité de la transmettre.
Dans la Grèce antique, la peinture de chevalet est apparue (sur des planches, moins souvent sur toile), qui n'est pas descendue jusqu'à notre époque, réalisée en utilisant la technique de l'encaustique (peinture à la cire ; moins souvent des peintures à la colle et de la détrempe), qui a permis de sculpter de manière expressive tomes.
La peinture monumentale était l'un des principaux arts de la période paléochrétienne et du Moyen Âge. Pendant cette période, les murs et les voûtes des catacombes ont été décorés de fresques, puis les peintures murales et les mosaïques sont devenues les principaux types de décoration pour les églises de l'Empire romain d'Occident, de Byzance et d'autres pays d'Europe de l'Est. Au Moyen Âge, dans la peinture de l'Europe occidentale, de Byzance, de la Russie, du Caucase, des Balkans, elle s'est développée principalement dans l'église. L'idéologie chrétienne, les images religieuses et ascétiques ont été créées.
DANS Europe de l'Ouestà la Renaissance, les principes d'un nouvel art humaniste, qui redécouvre et connaît le monde matériel, sont affirmés, de ce fait, le rôle de la peinture augmente, développant les moyens d'une représentation réaliste de la réalité. La fresque était exceptionnellement répandue dans l'Italie de la Renaissance. Dans leurs œuvres, les artistes ont cherché à atteindre le maximum de semblant de réalité ; une attention particulière a été accordée au transfert de volume et d'espace: en raison des constructions en perspective et de la perspective aérienne (coloristique).
Au XVIIe siècle, un système de genres se dessine. Aux XVIIe-XVIIIe siècles, la peinture monumentale et décorative s'épanouit, qui existe en unité avec l'architecture et la sculpture et influence la perception émotionnelle de l'espace. Le rôle de la peinture de chevalet a également augmenté.
Comme d'autres types d'art monumental (architecture, sculpture), la peinture monumentale et décorative est en déclin. Ce n'est qu'à la fin du 19e - début du 20e siècle que des tentatives ont été faites pour faire revivre et fusionner diverses sortes la peinture avec l'artisanat et l'architecture en un seul ensemble. Également amélioré et mis à jour. moyens techniques peinture décorative.
Au XXe siècle, le rôle de la peinture décorative se développe, à la fois pictural, cherchant à impliquer le spectateur, et plat, ornemental, en harmonie avec les formes de l'architecture moderne. Dans le même temps, la peinture de chevalet joue toujours le rôle principal, bien que les éléments décoratifs de la forme d'art fassent souvent de la peinture de chevalet une partie de l'ensemble architectural et artistique global. Au XXe siècle, l'intérêt pour la recherche dans le domaine de la technologie de la peinture grandit (de nouvelles peintures sont inventées pour la peinture monumentale - pyroxyline au Mexique, silicone, sur résines organosiliciées en URSS), mais la peinture à l'huile prévaut toujours.
1.3 Histoire de la peinture décorative en Russie
Pendant la période de formation et d'épanouissement du féodalisme en Rus' (fin des Xe-XVIIe siècles), l'art s'est formé sur la base de la culture des tribus slaves orientales et des Scythes et des Sarmates nomades qui vivaient sur ces terres avant eux. L'art de chaque région et tribu avait ses propres caractéristiques et était influencé par les terres voisines. Byzance a eu une influence particulièrement forte après l'adoption du christianisme par la Russie. Avec le christianisme, la Rus' a adopté les traditions de l'Antiquité, en particulier la culture grecque. L'art russe du Moyen Âge s'est formé à la jonction de deux religions et voies : christianisme et paganisme, féodal et patriarcal. Le paganisme et le mode de vie patriarcal ont longtemps été tracés dans l'art de la Rus' féodale.
L'art de la période pré-mongole se caractérise par un trait distinctif - le monumentalisme des formes. L'architecture y occupe une place particulière. Peu de monuments architecturaux de cette époque nous sont parvenus, beaucoup ont été conservés sous une forme déformée, nous en savons beaucoup uniquement à partir de fouilles archéologiques et de sources écrites.
Dans les arts visuels de Kievan Rus, le rôle principal est occupé par la peinture monumentale - mosaïques et fresques. Les peintures murales des bâtiments et le type de bâtiments eux-mêmes ont été adoptés par les maîtres russes de Byzance. Mais tant dans l'architecture que dans la peinture russe, le traitement des traditions byzantines commence tôt. L'art populaire païen a eu une forte influence sur les techniques de la peinture russe ancienne.
Les peintures murales ornent non seulement les voûtes de la cathédrale, mais incarnent également des idées architecturales en général. La peinture était censée, comme dans toutes les églises médiévales, exprimer le lien entre le céleste et le terrestre. En Rus', cette technique particulière avait un grand avenir, car c'était une forme d'art monumental moins chère et plus accessible. Fresques du XIe siècle. peu nous est parvenu. Presque aucune peinture n'a été conservée à Novgorod Sofia.
L'art des miniatures de livres manuscrites se distingue particulièrement dans la peinture russe ancienne. Les livres écrits sur parchemin étaient décorés de miniatures, de coiffes et d'initiales.
Dans différents pays L'ancienne Rus' dans des formes locales, avec des modifications locales, une idée générale est née dans l'architecture, dans la peinture, où la mosaïque a cédé la place à la fresque, dans les arts appliqués. Le développement de l'art russe ancien a été interrompu par l'invasion mongole-tatare. "Et la mélancolie s'est répandue sur la terre russe, et la tristesse triste coule à travers la terre russe", dit le conte de la campagne d'Igor. On a du mal à imaginer les dégâts énormes que le joug mongol-tatare infligea à la terre russe, déjà fragilisée par des luttes intestines. Des villes ont été pillées et incendiées, des monuments d'art ont été détruits, des artistes et des architectes ont été tués. Ce n'est qu'à Novgorod et Pskov, qui rendent hommage au joug, que la vie artistique continue. Mais il leur est difficile de préserver et de développer leurs traditions culturelles isolés des autres terres. Le renouveau des villes et du commerce commence au milieu du XIVe siècle. Le besoin de défense a uni les forces russes et a largement contribué à l'unification des terres, accéléré le développement de l'État et du peuple russe.
XIVe siècle - l'apogée de la peinture monumentale de Novgorod. A cette époque, Novgorod avait déjà formé sa propre école de peinture locale. De plus, à la fin du siècle, les artisans locaux ont été influencés par le Byzantin Théophane le Grec.
Dans le dernier quart du XVe siècle le processus de formation de l'État centralisé russe prend fin. Moscou devient la capitale d'un État puissant. Il devient le principal centre culturel qui a recueilli et continue de développer les traditions de l'art des principautés russes. L'art national se développe, les maîtres russes côtoient les architectes et peintres étrangers.
L'ancien art russe s'est formé en étroite relation avec la religion. La vision du monde orthodoxe a créé des formes spéciales d'églises et de bâtiments, a développé une technique spéciale de peinture monumentale et de peinture d'icônes. L'art s'est formé et transformé pendant plus de 800 ans, mais ses formes et ses traditions ont longtemps existé dans l'art des siècles suivants.
L'art russe du XVIIIe siècle était très extraordinaire. Le tournant de l'art commence au XVIIe siècle. Peter envoie des gens étudier à l'étranger dans les sciences, l'artisanat et l'art. Le résultat de cette époque est de nouvelles idées, des images et de nouveaux genres. L'art russe entre dans la voie paneuropéenne du développement, mais sans abandonner les traditions nationales séculaires. La transition de l'ancien au nouveau, la familiarisation avec la culture mondiale est perceptible dans la peinture de l'époque de Pierre. Avec le début du XVIIIe siècle. la place principale dans la peinture est occupée par la peinture à l'huile avec une intrigue séculaire. Parmi les peintures de chevalet, panneaux monumentaux, la place prédominante est donnée au portrait.
Après la mort de Peter, "l'ère des coups de palais" commence. "Je répète que toute l'inconstance du monde ne peut être comparée à l'inconstance de la cour de Russie", écrivait l'un des envoyés en 1730. L'instabilité de l'État ne pouvait qu'affecter le développement de l'art.
Le développement de l'art au milieu du XVIIIe siècle. est divisé en deux étapes: les années 30 - le règne d'Anna Ioannovna, la triste époque de la vie russe au XVIIIe siècle, le temps des travailleurs temporaires, des étrangers, et les années 40 - 50 - les années du règne d'Elizabeth Petrovna, certains atténuation des mœurs de l'époque précédente, croissance de la conscience nationale, encouragement de tout ce qui est domestique, temps de l'ajout du style baroque russe, qui marque la synthèse de tous les types d'art.
Le style baroque russe a provoqué l'essor de toutes sortes d'arts et d'artisanat. L'intérieur baroque est une extraordinaire richesse de décor, avec l'élégance du dessin, la fantaisie de la composition globale et l'élégance de la décision, qui a touché littéralement tous les types et techniques : dans les meubles, dans la porcelaine domestique naissante, dans les tissus. Le style baroque de l'architecture se reflétait directement dans la peinture, principalement dans la peinture monumentale et décorative, qui était utilisée dans les palais et les églises. Malheureusement, les peintures monumentales n'ont pas été conservées, ainsi que les intérieurs pour lesquels elles ont été exécutées. Mais de nombreuses œuvres d'art de chevalet ont été conservées, particulièrement développées depuis l'époque du genre du portrait de Peter. Les artistes de la période élisabéthaine n'ont pas étudié à l'étranger, ils ont étudié en Russie tout en préservant les traditions de l'ancienne peinture russe. D'où les contrastes non seulement dans le travail d'un artiste, mais aussi dans une œuvre.
Tout au long du XVIIe siècle, l'art russe se développe selon les lois des temps modernes. Ce n'était pas un moyen facile de connaître et de maîtriser les lois du développement européen en peu de temps, grâce à quoi la culture laïque russe a pris sa place légitime parmi les écoles européennes et a conservé sa spécificité.
Première période du XIXe siècle en Russie s'est déroulée dans l'atmosphère d'un soulèvement national associé à Guerre patriotique 1812 La guerre et le soulèvement décembriste déterminent le caractère de la culture russe dans le premier tiers du siècle. Beaucoup de choses ont changé depuis le 18ème siècle. aux beaux-arts et aux arts plastiques. Le rôle de l'artiste, son importance et le droit à la liberté de créativité, qui ont de plus en plus affecté les questions sociales et morales, ont augmenté. Les idéaux humanistes de la société russe se reflètent dans les exemples hautement civiques de l'architecture de cette époque et de la sculpture monumentale et décorative, en synthèse avec laquelle agissent la peinture décorative et les arts appliqués, qui se retrouvent souvent entre les mains des architectes eux-mêmes. Le style de cette époque est le grand classicisme, également appelé style Empire russe.
Depuis les années 1940, grâce aux mérites de "l'école naturelle" de Gogol, la littérature russe est devenue une plate-forme à partir de laquelle les "questions malades du présent" sont proclamées, débattues et étudiées. Tourgueniev, Tolstoï, Dostoïevski - dans la littérature, le théâtre russe - à travers Ostrovsky, la musique russe - à travers les efforts de la "Mighty Handful", l'esthétique - grâce aux démocrates révolutionnaires, en particulier Chernyshevsky, ont contribué à l'établissement de la méthode réaliste comme principal un dans la culture artistique du milieu et de la seconde moitié du siècle.
Avec la fin du mouvement populaire dans les années 1990, de nombreux artistes - les Wanderers connaissent un déclin créatif et se dirigent vers une peinture de genre divertissante. Les processus complexes de la vie ont conduit à la diversité formes d'art ces années. Vous avez défendu le renouveau du langage artistique, un haut niveau de professionnalisme. Pour les artistes fin XIX V d'autres formes de créativité artistique sont caractéristiques de celles des Wanderers. Les leçons de la peinture impressionniste de plein air, la composition du "cadrage aléatoire", la manière picturale libre - tout cela est le résultat de l'évolution des moyens picturaux dans tous les genres d'art. Les artistes s'essayent à différentes techniques et types d'art - de la peinture monumentale au décoratif - art appliqué.
Vie artistique du milieu des années 40 - 50 du XXe siècle. exceptionnellement actif. Des expositions locales itinérantes, urbaines, républicaines, inter-républicaines alternent avec celles de toute l'Union, généralement consacrées à dates importantes. Cependant, dans les années d'après-guerre, la norme sociale de la vie est violée, les libertés démocratiques sont limitées. Une situation sociale aussi défavorable ne pouvait qu'affecter l'atmosphère créative, les voies de la créativité étaient aussi difficiles que la vie elle-même. Beaucoup d'œuvres sans signification, estampées et petites ont été créées. Dans la lutte contre cela, les meilleurs artistes ont essayé de travailler, à la recherche de véritables voies et formes. La vie elle-même leur a donné de nouveaux thèmes et posé de nouvelles questions difficiles. Le thème de la guerre, les thèmes de l'épreuve morale et physique du peuple soviétique restent d'actualité dans les années d'après-guerre.
Dans les années 1950 et 1960, la vie artistique du pays devient plus active. En 1957, le premier Congrès des artistes soviétiques de toute l'Union a eu lieu, qui a réuni des délégués de plus de 7 000 artistes et historiens de l'art, au cours duquel les résultats du passé ont été résumés et les moyens de développer davantage l'art soviétique ont été déterminés. Dans la culture et l'art, la "lutte contre l'idéologie bourgeoise" se poursuit. Cependant, les œuvres faussement pathétiques, narratives et naturalistes ont progressivement commencé à disparaître des expositions. Les artistes ont essayé de transmettre des sons patriotiques dans des peintures et des sculptures sans pathos ni faux-semblant.
Il est difficile de cantonner l'art dans une seule direction, et tous les artistes des deux dernières décennies n'ont pas été influencés par le "style sévère". Beaucoup d'entre eux se tournent vers les traditions de l'art russe ancien, l'art du XVIIIe - début du XXe siècle, la proto-Renaissance, l'art des "Petits Hollandais", le classicisme français et, bien sûr, le folklore. Un appel aux origines ne donne pas toujours des résultats intéressants, mais le développement de diverses couches d'art a enrichi le travail des artistes.
Les artistes contemporains pensent beaucoup à la tradition, à l'histoire et à la beauté dans le monde moderne. Sinon, ils perçoivent au sens figuré - les moyens d'expression et les possibilités de l'art: couleur, composition, structure linéaire et rythmique. Le langage du symbolisme est proche. La forme picturale est riche en spectacle et il n'y a pas de place en elle pour le simple récit des années 50. A cette époque, les frontières entre les genres s'effacent et les formes d'art convergent. Dans les arts visuels, l'effacement des frontières dans les genres est le reflet du développement de la culture moderne. Dans les années 1960, une nouvelle période s'ouvre dans le graphisme.
L'art domestique était jusqu'à récemment une fusion de cultures nationales. En parlant de écoles nationales ah, vous pouvez nommer les principales qualités de chacun d'eux, mais ce seraient des caractéristiques très limitées et incorrectes. Chacune des écoles nationales avec sa spécificité figurative-stylistique complexe dans différentes formes, techniques, styles est restée fidèle aux principaux idéaux humains.
L'art domestique de la dernière décennie est assez diversifié. Pendant cette période, parallèlement à l'art officiel, il y a eu un processus de légalisation de diverses associations informelles. "Underground" est non seulement entré dans la vie artistique nationale, mais est devenu un art presque élitiste, mais qui nécessite toujours une évaluation sérieuse et objective. La volonté de la culture russe d'apprendre des autres peuples, d'assimiler les formes culturelles étrangères, de les transformer à sa manière, de les saturer de son émotivité et de son contenu spirituel, et de créer ainsi sa propre nouvelle réalité artistique (comme au XVIIIe siècle, quand le "baroque russe", le "rococo russe", le "classicisme russe", etc.) n'a pas disparu en Russie.
La peinture (du russe pour vivre et écrire) est l'un des plus anciens types de beaux-arts, des œuvres d'art qui sont associées à la transmission d'images visuelles en appliquant des peintures sur une base solide ou flexible ; créer une image à l'aide de la technologie numérique; ainsi que des œuvres d'art réalisées de cette manière.
Il existe deux types de peinture : de chevalet et monumentale.
La peinture de chevalet existe indépendamment de l'espace environnant, tandis que la peinture monumentale est étroitement liée à l'architecture et à l'intérieur dans lequel elle se trouve.
La peinture monumentale est la peinture sur des structures architecturales, une caractéristique est la taille gigantesque et l'attachement aux surfaces architecturales. Les principaux types de peinture monumentale sont : la fresque, le secco, la mosaïque, le vitrail, les peintures décoratives et les panneaux décoratifs.
Le mot russe peinture fait référence au réalisme de cet art à l'époque baroque, lorsque des peintures de style occidental ont commencé à être peintes en Russie, principalement avec des peintures à l'huile. En iconographie, le verbe "écrire" est utilisé, tout comme en grec.
La peinture décorative est un ensemble de propriétés artistiques qui améliorent l'expressivité émotionnelle et le rôle artistiquement organisationnel des œuvres d'arts plastiques dans l'environnement du sujet entourant une personne. Rôle important décor, l'expressivité de la texture naturelle des matériaux et leurs caractéristiques inhérentes à la forme plastique, la composition, l'organisation des rythmes linéaires, les volumes plastiques et les taches de couleur, l'intensité du son des couleurs, l'expressivité et la texture d'un trait coloré, etc. jouer dans la création de l'effet décoratif d'une œuvre.
La peinture a une fonction cognitive, religieuse, idéologique, socio-morale, éducative, esthétique ou philosophique, et fait également partie des valeurs esthétiques créées dans le processus de compréhension figurative du monde basée sur les lois de la beauté et de la perfection.
La peinture couvre toute l'étendue et la plénitude de la réalité, ce qui affecte l'abondance des genres :
1. Portrait (Historique, posthume (rétrospective), portrait - peinture, autoportrait, portrait costumé, religieux (donateur ou ktitor), etc.)
2. Paysages - un genre dans lequel le sujet principal est la nature. Il existait depuis l'Antiquité, mais a perdu de son importance au Moyen Âge et a retrouvé sa popularité à la Renaissance, devenant l'un des genres les plus importants de la peinture.
3. Marina - un genre représentant un paysage marin ou un événement se déroulant sur la mer.
4. Peinture historique - un genre de peinture originaire de la Renaissance et comprenant des œuvres non seulement sur des intrigues d'événements réels, mais également des peintures mythologiques, bibliques et évangéliques. Représente les événements du passé qui sont importants pour une nation individuelle ou pour l'ensemble de l'humanité.
5. La peinture de bataille est un genre dédié aux thèmes de la guerre et des hostilités.
6. Peinture de genre ("genre de tous les jours")
7. Nature morte - l'image d'objets inanimés dans les arts visuels.
8. Peinture architecturale - peinture dont le thème principal n'était pas le paysage naturel, mais le paysage architectural. Inclut non seulement l'image des structures architecturales, mais également l'image des intérieurs.
9. Peinture religieuse (peinture mythologique, etc.)
10. Peinture décorative (peinture monumentale, théâtrale - peinture décorative, peinture décorative)
Techniques et directions de peinture:
1. Peinture acrylique. La technique de la peinture acrylique est apparue relativement récemment, tout au plus il y a 20 ans.Les peintures acryliques sont apparues il y a environ 50 ans et ont immédiatement reçu une large reconnaissance. Le succès de ces peintures modernes est principalement dû à leur facilité d'application, leur polyvalence et leur séchage rapide. DANS dernières années les progrès dans le développement des émulsions acryliques, contenant des particules de plus en plus petites et résistantes à la lumière, ont permis d'obtenir des peintures toujours meilleures.
Les peintures et vernis acryliques peuvent être utilisés sur tout support non gras tel que le verre, le bois, le métal, la toile, la toile, etc. La peinture acrylique fraîche peut être facilement retirée des objets avec de l'eau, mais nécessite des solvants spéciaux lorsqu'elle sèche.
Selon le degré de dilution avec de l'eau ou les charges utilisées (gels, pâtes, mastics, adhésifs), la peinture acrylique finie peut ressembler à des aquarelles ou des peintures à l'huile ou avoir sa propre reproduction de couleur unique inaccessible dans d'autres domaines des beaux-arts.
2. La peinture à l'aquarelle est une technique de peinture dont les œuvres sont créées avec des peintures à l'aquarelle spéciales qui, lorsqu'elles sont dissoutes dans l'eau, créent une légère suspension de pigment. Grâce à la particularité des peintures à l'aquarelle, des œuvres légères et aérées avec des transitions de couleurs subtiles sont créées. La peinture à l'aquarelle combine les caractéristiques de la peinture et du graphisme : la construction de l'espace avec la couleur, la richesse des tons, l'utilisation du papier dans la construction de l'image ;
3. Grisaille - une technique de peinture réalisée dans des dégradés de tons d'une couleur, sépia ou gris, ainsi qu'une technique de création de bas-reliefs peints et d'autres éléments architecturaux ou sculpturaux. En grisaille, seul le ton du sujet est pris en compte ;
4. Gouache - peinture avec des peintures opaques à base d'eau préparées à partir de poudre de peinture, d'eau, de blanc et de colle. La base de la peinture à la gouache est différentes surfaces: bois, toile apprêtée, tissu, carton, contreplaqué ou papier (typique des images graphiques, ce qui permet de classer la gouache comme technique graphique) ;
5. Peinture avec des peintures à base d'eau sur plâtre - brut (fresco) et sec (a secco);
6. Peinture avec des peintures au silicate;
7. Peindre avec des peintures céramiques;
8. Peinture adhésive - une technique de peinture réalisée avec des peintures dont le liant est de la colle. En peinture à la colle, les couleurs sont opaques et denses, la surface picturale de l'œuvre est mate ;
9. Oeillet - une technique pittoresque pour représenter la peau humaine, son visage et les zones ouvertes du corps;
10. Glaze, grisal ou grise - la technique d'application de peintures translucides sur la couleur de base, pour obtenir des couches profondes et irisées;
11. La peinture à l'huile est l'une des techniques de peinture qui utilise des peintures avec huile végétale comme liant principal. Pour la production de peintures à l'huile, de vrais pigments et d'huile de pavot, l'huile de noix est utilisée, mais l'huile de lin est la plus populaire. Les techniques de peinture à l'huile sont variées, on peut utiliser des traits couvrants (opaques) ou glacis (transparents), à corps (épais) ou fins, lisses ou en relief (texturés). Principalement pour la peinture à l'huile, la technique est à la prima sur une toile apprêtée propre, ou une couleur finement appliquée ou une sous-couche tonale;
12. Pointillisme ou divisionnisme -- direction stylistique dans la peinture néo-impressionniste, qui est basée sur la manière de peindre avec des traits séparés (isolés) de la forme correcte;
13. Tempera - peintures préparées à base de pigments naturels en poudre sèche et (ou) de leurs homologues synthétiques. Le liant des peintures à la détrempe sont des émulsions - naturelles (jaune entier dilué avec de l'eau). œuf de poule, sucs végétaux, rarement - uniquement dans les fresques - huile) ou artificiels (huiles siccatives dans une solution aqueuse de colle, polymères). La peinture à la détrempe est diversifiée en termes de techniques et de texture, elle comprend à la fois l'écriture en couche mince, le glacis et la peinture à empâtement épais;
14. Peinture à l'encaustique ou à la cire - technique de peinture avec des peintures dont le liant est la cire. Pendant le travail sur l'œuvre, les peintures sont fondues. Une variété d'encaustiques est la peinture à la cire à la détrempe;
15. Médias mixtes - une technique qui implique généralement l'utilisation de plusieurs technologies ou méthodes dans la création d'œuvres en arts visuels : œuvres graphiques, sculpturales et picturales.
Très souvent, un peintre utilise de telles techniques lorsque, en plus du matériau principal, la détrempe, l'huile ou la peinture acrylique, tout en travaillant sur une œuvre, afin d'obtenir les effets, l'expressivité requis, il utilise d'autres matériaux pigmentaires en complément (il les crée sur une base différente) ; la surface de l'œuvre comprend également divers, organiquement adaptés ou créant la dissonance requise, non caractéristiques au sens habituel des matériaux: objets en bois (du quotidien ou conçus et créés par l'artiste lui-même), fragments de matière, cuir, détails divers appareils et mécanismes.
Le principal moyen d'expression de la peinture décorative est la couleur. Par ses qualités, la couleur affecte la perception sensorielle, renforce l'impact émotionnel de l'image et détermine les larges qualités picturales et décoratives de la peinture. Dans les œuvres de peinture décorative, la couleur forme un système intégral - la couleur. Habituellement, une ou une autre série de couleurs interdépendantes et leurs nuances sont utilisées - couleurs, bien qu'il y ait aussi de la peinture dans les tons de la même couleur - monochrome.
La composition des couleurs est un système d'agencement et de relation des taches de couleur, fournit une certaine unité de couleur de l'œuvre, affecte le cours de sa perception par le spectateur, faisant partie de sa structure artistique propre au travail de la peinture décorative.
Un autre moyen expressif de peinture - le dessin (ligne et clair-obscur) - organise l'image de manière rythmique et compositionnelle avec la couleur; la ligne délimite les volumes les uns des autres, est souvent la base constructive de la forme picturale, permet de reproduire les contours des objets en général ou en détail, d'identifier leurs moindres éléments.
La base d'une œuvre d'art pictural (toile, bois, papier, carton, contreplaqué, parchemin, pierre, plâtre et autres matériaux) nécessite en règle générale pré-formation- amorces. Le type de base le plus courant sur lequel une œuvre est créée était le bois et la toile dans la peinture de chevalet, et la pierre, la brique et autres dans la peinture murale. Matériaux de construction. Le travail fini est protégé des influences extérieures par une couche de vernis.
Les qualités picturales et expressives de la peinture dépendent aussi largement des propriétés des peintures, qui sont dues au degré de broyage des pigments et à la nature des liants, de l'outil avec lequel l'artiste travaille (pinceaux, spatule), des solvants il utilise; la surface lisse ou rugueuse de la base et du sol (absorbant dans une certaine mesure le liant) affecte les méthodes d'application des peintures, la texture de la peinture et la couleur translucide de la base ou du sol affecte la couleur; parfois des parties sans peinture de la base ou du fond peuvent jouer un certain rôle dans la construction de la couleur (principalement à l'aquarelle).
La surface de la couche picturale d'un tableau, sa texture, est brillante et mate, continue ou intermittente, lisse ou inégale. La couleur requise, la nuance est obtenue à la fois par mélange de couleurs sur la palette et par glacis; traits adjacents Couleurs différentesà une certaine distance, ils semblent se mélanger dans l'œil du spectateur (effet d'optique utilisé dans le pointillisme).
Le style, la particularité de la technique de peinture et la composition de l'image, ainsi que l'intérieur auquel elle est destinée, affectent le format (rectangulaire, ovale ou rond) et le type de cadre qui sépare l'image de l'environnement et se concentre sur l'image elle-même.
Le mot "Graphique" vient du grec "grapho" - j'écris, je dessine.
Le graphisme est un art basé sur la ligne, les traits, les taches, les points, le contraste du blanc et du noir. La combinaison de ces outils crée des nuances tonales. Les graphiques permettent l'utilisation de la couleur, mais les contrastes de tons restent le principal moyen d'expressivité dans les graphiques. Les tâches de dessin ont beaucoup en commun avec les tâches de peinture, et les frontières entre elles sont conditionnelles : l'aquarelle, la gouache, le pastel, la détrempe peuvent être utilisés pour créer des œuvres picturales et graphiques dans la nature. Le graphisme est beaucoup plus conventionnel que la peinture, il a un caractère symbolique et ornemental. Les matériaux et techniques graphiques sont variés, mais, en règle générale, la base est une feuille de papier. La couleur et la texture du papier jouent un grand rôle. Les matériaux et techniques colorés sont déterminés par le type de graphisme.
Comme tous les types de beaux-arts, les graphiques peuvent être divisés en trois types :
1. Monumental - étroitement lié à l'ensemble architectural, par exemple, une affiche (graphiques imprimés monumentaux), des graphiques muraux, du carton;
2. Chevalet - réalisé "sur la machine", qui n'a aucun lien avec certain intérieur, la finalité et le sens de l'œuvre sont totalement épuisés par le contenu artistique (dessin, estampe, estampe populaire) ;
3. Décoratif - illustrations de livres, cartes postales, tout images graphiques sur tout objet, qui n'a pas de valeur artistique particulière, mais sert à organiser la surface de l'objet. Les graphismes décoratifs incluent également la floristique - des compositions créées à l'aide de peluches d'arbres, de pailles et d'autres matériaux «vivants».
Le dessin (en tant que moyen artistique et expressif), bien qu'il soit utilisé dans tous les types de beaux-arts, mais dans le graphisme, c'est le début principal et déterminant et il est utilisé sous une forme plus pure.
Dessin - une image réalisée à la main, à l'aide d'outils graphiques: lignes, traits et taches. Il existe de nombreuses variétés de dessin, qui diffèrent par les méthodes de dessin. Thèmes et genres, technique et caractère de la performance.
« Le dessin, qu'on appelle autrement l'art de l'esquisse, est le point culminant de la peinture, de la sculpture et de l'architecture ; le dessin est la source et la racine de toute science », a écrit le grand artiste italien de la Renaissance Michelangelo Buanarroti (1475-1564).
La formation du dessin en tant que domaine particulier de la créativité artistique reçue à la Renaissance. Le dessin a servi à de nombreuses fins pour les artistes: étudier la nature et les techniques de représentation sur un avion, enregistrer des observations, des impressions et des pensées. Les origines du dessin apparaissent à l'ère paléolithique lorsque des peintures murales avec des images d'animaux ont été appliquées sur les parois des grottes, parfois des croquis préliminaires ont été réalisés sur des galets et des dalles de pierre. DANS l'Egypte ancienne vous pouvez également voir des œuvres liées à l'art du dessin (esquisses de sculptures, études d'études, esquisses de peintures). Dans l'Antiquité, le dessin était travail préparatoire et illustrations dans des livres manuscrits. Et ce n'est qu'à la Renaissance que le dessin s'est imposé comme une forme d'art indépendante. Le dessin de chevalet indépendant atteint force et hauteur dans l'œuvre de Mantegna.
Le graphisme en tant que forme d'art indépendante se révèle de manière particulièrement vivante dans les œuvres des maîtres de la Haute Renaissance (italien - Léonard de Vinci, Michel-Ange, nord - Albrecht Dürer). La gravure est connue en Chine depuis les VIe-VIIe siècles. La France aux XVIe-XVIIe siècles. célèbre pour le dessin au crayon. Le portrait était particulièrement populaire, les artistes représentaient des personnes nobles au crayon. Et au tournant des 19e-20e siècles, il y a eu un changement dans les systèmes artistiques, le graphisme a finalement pris forme comme une forme d'art.
Les caractéristiques importantes des graphiques sont leur pertinence, leur réplication et la divulgation cohérente des idées dans un certain nombre d'images. Ces qualités ont été largement utilisées dans les graphiques de propagande, satiriques et politiques, dont le développement rapide tombe sur les années d'événements historiques majeurs (surtout au XXe siècle - révolutions, guerre civile, Seconde Guerre mondiale). Au XXe siècle. Le graphisme se développe comme un art démocratique d'une grande portée sociale, un appel au grand public.
Technique de dessin :
1. Stylo - un outil pour dessiner avec une matière colorante liquide (encre, bistre, sépia, encre). Depuis l'Antiquité, des plumes d'oiseaux (oie, cygne, paon, corbeau, bécasse, bécassine, etc.) ont été utilisées, ce qui a permis de modifier en douceur l'épaisseur du trait et de varier les méthodes d'éclosion. Dans l'Antiquité et dans l'Orient médiéval, on utilisait un stylo en roseau (kalam), donnant un trait souple et plastique, un trait énergique. Depuis le 19ème siècle les plumes métalliques sont courantes, donnant une ligne fine et uniforme. Le motif du stylo (souvent en combinaison avec un lavis ou un surlignage) se distingue par une spontanéité et une impulsion particulières.
2. Le charbon de bois est un matériau pour le dessin, de différentes tailles, sous forme de bâtons, qui sont tirés d'arbres de différentes espèces. Les tiges de diverses espèces d'arbres sont liées en faisceaux, étroitement fermées dans pot d'argile, puis placées au four, où elles sont laissées une nuit jusqu'à complète carbonisation (acquisition d'une teinte très noire).
3. Sanguine - un matériau pour le dessin, fabriqué principalement sous forme de bâtons de kaolin et d'oxydes de fer. La gamme de couleurs de la sanguine va du brun au rouge proche. Avec son aide, les tons du corps humain nu sont bien transmis, de sorte que les portraits réalisés par sanguine semblent très naturels. Pendant le fonctionnement, la sanguine peut être mouillée et diversifier ainsi l'épaisseur et la densité du trait. Sanguina peut être frotté avec un coton-tige sur du papier pour obtenir des couches plus fines et plus transparentes. Sanguina est bon avec la technique de la grisaille (travailler dans différentes nuances de la même couleur). La technique du dessin d'après nature à l'aide de la sanguine est connue depuis la Renaissance (Léonard de Vinci, Raphaël). A cette époque, la sanguine naturelle d'origine minérale (« craie rouge ») était utilisée en Europe. La sanguine moderne est artificielle.
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La peinture est une direction de l'art qui nous est venue depuis des temps immémoriaux. La première personne a essayé de décorer les grottes avec de l'art rupestre.
Elle était présente à tout moment, elle a développé, amélioré, de nouveaux styles et directions sont apparus. La peinture a toujours été utilisée pour décorer les intérieurs. Pendant de nombreux siècles, la peinture artistique des murs n'a pas perdu de sa pertinence.
Avec l'aide de la peinture à l'intérieur, l'expressivité d'un certain style a été renforcée et accentuée. Elle était également présente dans la fabrication de meubles, dans la décoration des murs et des plafonds, dans la décoration des articles ménagers. Il est difficile de surestimer son rôle dans le développement de la vie spirituelle d'une personne.
L'un des représentants et des variétés les plus brillants de la peinture est la fresque.
Traduit de l'italien, le mot "fresco" signifie frais. Une fresque est une peinture artistique sur plâtre humide, c'est l'une des plus anciennes techniques de peinture murale. Nul ne peut citer la date exacte de l'apparition des fresques.
Des temples de la Renaissance ont survécu jusqu'à nos jours, dont les murs ont été décorés par les plus grands artistes virtuoses, tels que Michel-Ange, Raphaël et le génie Léonard de Vinci. Dans l'art des chrétiens, la fresque était l'une des façons préférées de décorer non seulement murs intérieurs des temples de pierre, mais aussi des palais et des châteaux.
La production de fresques modernes est basée sur des matériaux respectueux de l'environnement. Aujourd'hui, les fresques sont diverses toiles qui peuvent être facilement collées sur n'importe quelle base.
La base peut imiter un vieux mur, auquel cas le maître la recouvre de petites fissures. L'effet des fissures et l'exécution manuelle permettent à toute image de devenir une œuvre d'art, ce qui donne à l'intérieur un sentiment d'antiquité.
Toutes les œuvres des maîtres-artistes sont réalisées à la main, selon les commandes individuelles. Les fresques peuvent être de différentes tailles, elles sont durables et n'ont pas peur de l'eau.
tentures
Il y a eu beaucoup d'amoureux de la tapisserie à tout moment. Les tapis muraux non pelucheux avec une certaine composition artistique étaient appelés tapisseries. Pas un seul château, pas un seul palais ne pourrait se passer de ces objets de luxe. En règle générale, ils étaient décorés de murs et de sols.
Les tapisseries ont été faites à la main artisans simples mais c'étaient de véritables œuvres d'art. Les vrais maîtres avaient toujours des ordres et étaient, comme on dit, happés.
A l'heure actuelle, l'artisanat de la tapisserie est devenu un succès auprès des propriétaires maisons de campagne et de grands appartements de luxe. Et ce n'est pas du tout surprenant, car de petites choses individuelles donnent l'exclusivité à n'importe quel intérieur. Aujourd'hui, les tapisseries sont fabriquées non seulement à la main, mais également sur un équipement numérique spécial, ce qui vous permet de créer de véritables chefs-d'œuvre. Les tapisseries fabriquées à la machine peuvent être considérées comme des œuvres d'art du 21e siècle.
Ils sont capables d'incarner la peinture de croquis traditionnelle et moderne infographie, qui vous permet de transmettre le véritable souffle d'une image artistique sur une toile textile.
Peintures
Les peintures ont toujours ajouté de la respectabilité à n'importe quel intérieur. Les peintures ajoutent de l'harmonie, de la beauté à la maison et lui confèrent originalité et individualité.
Habilement placés et sélectionnés avec goût, les tableaux, estampes, tapis, photographies et autres tableaux contribueront à transformer la maison, ils la rendront cosy et originale, ils sont capables de donner du caractère à n'importe quel style. La photo aidera à compléter le design intérieur. La présence de tableaux dans la maison parle du goût artistique du propriétaire, de ses préférences, de son bien-être. Les peintures peuvent être considérées comme l'une des décorations intérieures traditionnelles de différents styles, couleurs et tendances. À l'aide de peintures, vous pouvez ajouter du volume visuel à la pièce, la rendre plus contrastée ou vous pouvez apporter de l'élégance et de la douceur.
L'organisation artistique de l'espace peut donner à la maison une atmosphère de confort et de détente. Les peintures ne perdront jamais leur valeur esthétique, leur popularité et leur noble beauté.
Panneaux d'art décoratif
Ce type d'art décoratif a toujours plu aux yeux non seulement de l'homme du commun, mais aussi des nobles et des personnes couronnées de différentes époques. Les panneaux décoratifs peuvent être créés à partir de divers matériaux.
Ces matériaux peuvent être des pierres semi-précieuses, des métaux précieux, des mosaïques, du bois teinté de diverses essences, y compris des essences exotiques, de la nacre, ainsi que divers articles ménagers.
Les technologies modernes permettent de produire des panneaux de complexité artistique et de n'importe quelle configuration. Les panneaux décoratifs peuvent être réalisés sous la forme de portraits de personnes aimées, d'animaux, sous la forme d'une copie inimitable d'un tableau d'un célèbre maître de la peinture, de peintures mythologiques ou épiques, de magnifiques paysages.
Très souvent, des compositions abstraites sont créées, puis tous les éléments d'intérieur peuvent être présents dans un panneau décoratif. Dans tous les cas, une telle décoration des locaux rendra leur intérieur unique et luxueux.
Peinture à l'intérieur aujourd'hui
Aujourd'hui, la peinture est l'un des principaux moyens par lesquels vous pouvez créer un intérieur unique, vivant et lumineux.
Les compositions pittoresques peuvent être différentes, en commençant par celles ornementales et en terminant par celles de l'intrigue. Ils sont réalisés avec différentes techniques de peinture.
De telles compositions peuvent être situées sur diverses pièces structures architecturales, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur. Les technologies modernes permettent de peindre sur tous les plans.
Toute peinture est directement liée à l'architecture du bâtiment ou des locaux. Diverses techniques de peinture artistique vous permettent de jouer avec l'échelle de l'espace de la pièce, tout en utilisant les lois de la perspective, de la visualisation et de «l'illusion d'optique», vous pouvez ainsi déplacer les murs, élever ou abaisser les plafonds.
La combinaison de la peinture à l'intérieur, de la décoration en stuc et du parquet artistique ou de palais donnera à la pièce une image unique, respectable, élitiste, complète et harmonieuse qui fascine par la richesse et donne un monde magnifique à n'importe quelle pièce.
Les peintures à l'intérieur mettent des accents, créent une ambiance, un sentiment d'harmonie et d'exhaustivité. Chaque technique de peinture est bonne à sa manière, aujourd'hui Prostocomfort se concentrera sur les peintures à l'huile.
Particularités
Dans la peinture à l'huile, des peintures spéciales sont utilisées, qui contiennent une huile siccative et, en plus, un pigment sec. Souvent, cette huile est du pavot, du lin ou noyer. Le matériau principal sur lequel ils travaillent avec des peintures à l'huile est la toile.
L'avantage de la peinture à l'huile est sa durabilité, surtout par rapport à l'aquarelle ou au pastel. Si la photo est vernie, elle restera inchangée pendant plusieurs années.
Fonctions des peintures à l'intérieur
Les peintures à l'intérieur remplissent plusieurs fonctions : elles décorent, créent une atmosphère particulière et design unique, donner du confort, remplir d'énergie, rendre la pièce élégante. La peinture n'est pas seulement une œuvre d'art, mais aussi un très spectaculaire et élément nécessaire conception.
Selon les tâches, l'image à l'intérieur peut être à la fois un centre unificateur et un accent. À l'aide de peintures, vous pouvez ajuster la perception des meubles, modifier visuellement l'intérieur et zoner la pièce.
La peinture monumentale peut devenir le principal motif stylistique. Il permet de manipuler l'espace : grâce à la perspective, agrandissez visuellement ou au contraire réduisez la pièce.
Les œuvres de peinture monumentale sont placées dans des lieux spécialement prévus par le projet de conception ou d'architecture. Les principales fonctions de la peinture fondamentale sont d'unir et de compléter la conception d'une pièce, d'organiser l'espace et de créer un environnement spirituellement et idéologiquement riche pour une personne.
Dans quels styles convient-il d'utiliser la peinture
S'harmonisant avec le design intérieur, des peintures pittoresques forment le fond émotionnel de la pièce, donnent de l'individualité, soulignent et améliorent le style choisi.
Chacun des styles conviendra au décor approprié : peinture (huile ou aquarelle), bas-reliefs, vitraux, vaisselle en porcelaine, vases de sol. Afin de bien construire l'intérieur, vous devez vous immerger dans le style choisi, y réfléchir dans les moindres détails.
Oui, dans Style japonais peintures sur soie, paysages sansui, peintures sur écran, sumi-yo sont appropriés.
Le baroque et le rococo se caractérisent par des peintures décorées de riches baguettes.
DANS À l'anglaise Parfait pour le thème de la chasse.
Les peintures impressionnistes conviennent à une pièce éclectique.
Dans un intérieur classique, les peintures baroques, le réalisme, le romantisme seront parfaits. Une large baguette d'un profil doré apportera une atmosphère de luxe à l'intérieur.
Le style du minimalisme, de la haute technologie à l'intérieur est combiné avec des peintures réalisées dans le style du futurisme et de l'abstractionnisme.
Le pop art à l'intérieur se caractérise par des images photographiques dessinées de grandes tailles: des peintures exploitant activement des images de canettes de Coca-Cola et de soupe Campbell, ainsi que des images de célébrités Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Zedong.
Où est-il possible d'utiliser la peinture à l'huile à l'intérieur
En plus des peintures, la peinture à l'huile peut également être utilisée sur d'autres surfaces à l'intérieur : vitraux, vases, plats. En règle générale, cela dépend du style de la pièce à concevoir.
Certains préfèrent la peinture artistique des murs ou des plafonds. Montagnes, mer, ciel étoilé - tout cela est tout à fait possible à la maison. Les matériaux ici peuvent être différents, allant du plâtre coloré et des peintures fluorescentes, et se terminant par la peinture à l'huile traditionnelle, exécutée selon toutes les règles de la technologie.
Le vitrail a l'air original à l'intérieur. En plus de la technique traditionnelle de sa création (reliant des morceaux de verre coloré avec un contour métallique), il existe une technologie de film moderne, ainsi que la peinture artistique sur verre coloré. Cependant, il est produit avec des peintures spéciales pour vitraux.
Peindre des vitres avec des peintures à l'huile est plutôt une imitation du vitrail, mais cette technique est également connue depuis longtemps et a gagné sa place parmi les différents domaines de la peinture.
Le thème des peintures
La première pièce où les invités entrent est le hall d'entrée, ou hall. Cette pièce donne le ton à tout le reste, vous ne devez donc pas choisir des images aux tons accrocheurs et aux lignes nettes. Pour le couloir, de petites peintures dans le style du minimalisme sont optimales.
Les peintures dans le salon doivent créer une atmosphère calme et ambiance maison. Il peut s'agir d'un paysage, d'une nature morte ou d'un portrait. Quelques toiles suffisent pour s'intégrer à l'intérieur et attirer l'attention. Ici, vous pouvez placer des compositions symétriques et asymétriques.
En Orient, on pense que les fruits représentés dans la salle à manger avec des plats contribuent à l'abondance. Ainsi, pour la salle à manger et la cuisine, une nature morte ou des bouquets de fleurs seront réussis. L'image ne doit pas être grande et de préférence réalisée dans des couleurs juteuses et lumineuses. 
Le tableau doit être placé à hauteur des yeux afin qu'il tombe dans le champ de vision sans effort supplémentaire : le centre du tableau doit toujours être au milieu entre le niveau des yeux d'une personne en position assise et debout.
Si le mur est grand, il doit avoir soit une grande image, soit plusieurs plus petites ; petite photo sur grand mur aura l'air ridicule.
Pour grossissement visuel la zone de la pièce dont vous avez besoin pour choisir une image avec une perspective éloignée et avec un plafond bas - images verticales.
Pour rendre la pièce plus lumineuse, l'image doit être dans des couleurs claires.
Les peintures qui ne sont pas protégées par du verre ne doivent pas être placées au-dessus du foyer, car la suie peut abîmer la peinture.
Accrochez la photo au mur là où il y a le moins de lumière directe du soleil.
Les peintures sont mieux placées sur un mur uni.
Décorer l'intérieur de votre propre maison avec des peintures est une tendance courante à notre époque. Auparavant, une telle décoration de la maison pouvait être offerte principalement aux couches aisées de la société, et en même temps, des copies originales d'artistes éminents étaient utilisées. Le développement de la technologie a donné aux contemporains la possibilité d'utiliser largement une variété de peintures à l'intérieur d'un appartement, sans être propriétaire d'une fortune impressionnante.
Principes généraux pour décorer un logement avec des peintures
Une gamme diversifiée de produits offerts permet de créer intérieur harmonieux dans l'appartement, soulignant la dignité du logement et dissimulant habilement les lacunes. Les consommateurs peuvent choisir parmi l'art photographique, imprimer des images sur verre ou sur toile. Les œuvres classiques écrites à l'huile ne perdent pas non plus leur pertinence. La tâche clé reste le choix des peintures qui correspondent aux règles générales de décoration de l'intérieur d'un appartement.
Avec une décision difficile sur la conception des locaux, prise en style classique, vous devez vous familiariser avec les œuvres d'artistes dans les galeries, les musées et les expositions, étudier les albums de peintures. De nouvelles impressions vous aideront à choisir votre technique, votre direction et votre genre préférés, adaptés à l'intérieur de l'appartement. À l'avenir, si vous le souhaitez, vous pourrez acheter des reproductions de peintures de classiques ou commander une copie.
Lors du choix de peintures pour l'intérieur d'un appartement, il est important de respecter les principes de l'art du design:
Conseil ! Il est préférable de placer les tableaux au mur, à l'abri des rayons directs du soleil.
Intérieur du salon
La place centrale de tout appartement est occupée par le salon. Une pièce conçue pour rencontrer des amis, communiquer avec la famille et recevoir des invités nécessite une approche de conception particulière. Les images dans le salon créeront intérieur d'origine remplie d'élégance et de confort. Les tâches assignées aux peintures diffèrent dans leur objectif, mais en fin de compte, elles sont conçues pour créer un environnement harmonieux et évoquer des émotions positives d'être dans le salon. Dans un effort pour créer une image dynamique, les nuances de bleu et de bleu, responsables de l'activation des flux de vie, aideront. En plus de la couleur, l'intrigue et l'emplacement de la peinture sont importants à l'intérieur du salon.
Lorsque vous placez la toile sur le canapé, il est important de choisir la bonne taille. Le rapport optimal à l'intérieur de la largeur du cadre et du dos du meuble est de 1:2. S'il y a deux ou trois tableaux, l'espace libre correspond à 1/3 de la taille du canapé.
Dans le salon, les images d'animaux et d'oiseaux, les paysages urbains et ruraux sont appropriés. Pour un intérieur high-tech ou minimaliste, les abstractions conviennent. Classics accueille la peinture à l'huile traditionnelle sur toile. Cerise et tons marronsà l'intérieur sont combinés avec la peinture de la Renaissance ou de la Renaissance. Les paysages marins sont appropriés sur des murs légers.
Quelles autres techniques vous permettront de créer une ambiance dynamique ou sobre dans l'appartement ? Examinons de plus près toutes les astuces de l'art du design:
- L'effet de stabilité et de fidélité aux traditions sera créé par des toiles disposées symétriquement. Des photographies en noir et blanc ou des peintures monochromes renforceront particulièrement l'impression de sévérité de l'intérieur. La même taille formera un environnement d'affaires plus adapté au bureau.
- Les images accrochées de manière asymétrique apportent un sentiment de dynamisme à l'intérieur de l'appartement.
- S'il y a de l'espace libre, plusieurs grandes images sont placées à une distance suffisante les unes des autres dans une position asymétrique. Cela vous permettra de percevoir séparément chaque œuvre d'art.
- Quels que soient le nombre et la taille des images, les mêmes cadres contribuent à la création d'une image holistique.
- Les peintures font un excellent travail pour structurer la pièce. L'emplacement central mettra l'accent sur la symétrie de la conception à l'intérieur de l'appartement et, si nécessaire, indiquera le zonage de l'espace.
Les inclinations créatives de l'hôtesse permettront aux peintures brodées d'être exposées à l'intérieur de l'appartement. Il existe de nombreuses options pour les idées - il peut s'agir de points de croix ou de points satin, les peintures récemment perlées ont été particulièrement populaires. L'individualité et l'originalité dans ce cas sont fournies à cent pour cent.
Solutions de design dans la chambre
Pour un coin dans un appartement destiné à une nuit de repos, il est préférable de choisir des tableaux qui peuvent rehausser l'atmosphère de confort, de convivialité et de tranquillité. Faites confiance à vos sentiments intérieurs, laissez-les se matérialiser dans la peinture. Aimez les fleurs - privilégiez les images de paysage à l'intérieur de l'appartement, admirez la majesté des écoulements d'eau - un tel thème remplira la chambre d'énergie positive. Cependant, la présence à l'intérieur de peintures mettant l'accent sur l'eau nécessite une attention particulière lors du choix :
- Pour attirer les flux financiers, les images de rivières et ruisseaux calmes sont les bienvenues. Il vaut mieux refuser les cascades bouillonnantes et les puissants tourbillons dans la chambre.
- Un voilier majestueux sur fond de ciel clair et de nuages blancs, se balançant sur la surface de l'eau sans fin, apportera paix et tranquillité. La contemplation d'œuvres d'art évoque d'agréables rêves de voyage et contribue en même temps à augmenter visuellement l'espace intérieur de l'appartement.
- Le scénario de l'image avec des vagues déchaînées, des nuages sombres suspendus et un navire combattant les éléments provoque une injection d'émotions négatives, de sentiments d'anxiété et rend impossible la détente après une journée bien remplie dans votre propre appartement.
Quelques nuances supplémentaires à prendre en compte lors du choix des peintures pour l'intérieur d'une chambre dans un appartement:
- des toiles aux motifs pastoraux ou à l'image d'une forêt contribueront à créer une atmosphère paisible;
- les couleurs pastel douces offrent confort et convivialité dans l'appartement;
- un ciel transparent avec des oiseaux exotiques sur la photo apportera une touche romantique à l'intérieur de la chambre;
- Des peintures représentant des couples amoureux, des portraits, réalisés principalement en noir et blanc, contribueront à compléter le style art déco.
- La composition finie de l'intérieur de l'appartement sera donnée par des peintures où la couleur prévaut, combinées avec le reste des éléments de décoration - rideaux, oreillers ou couvre-lits.
Si vous n'êtes pas partisan de l'approche classique du design d'intérieur, des peintures réalisées dans différents genres contribuent à la réalisation des idées fraîches dans la conception. Le désir de souligner l'individualité de l'intérieur de la maison aidera les peintures dans le style de kanzashi. L'essence de la direction créative réside dans la mise en œuvre compositions florales en utilisant des rubans et en les décorant de perles. Le décor de bricolage reste toujours au sommet de la popularité, permettant à l'hôtesse de montrer ses talents et d'émerveiller les invités de l'appartement avec un goût exquis.
Options pour décorer la cuisine et le couloir
Les peintures sélectionnées pour l'intérieur de la cuisine ne doivent pas avoir de valeur historique et doivent être considérées comme des articles excessivement coûteux. Pourtant, dans le salon d'un appartement, les éléments de décoration deviennent inutilisables plus rapidement, il vaut donc mieux les remplacer par un échantillon frais en temps opportun que d'admirer un produit gâté. Les peintures à l'huile sur toile sont mieux placées sous verre. Selon l'intérieur de la cuisine, les peintures sont sélectionnées en tenant compte des règles suivantes:
- la prédominance des nuances froides et métalliques est combinée avec une image en noir et blanc;
- avoir une cuisine de style provençal dans l'appartement, privilégier les peintures en jaune;
- le minimalisme à l'intérieur accueille des peintures lumineuses qui peuvent devenir l'accent principal de la pièce;
- la combinaison du contenu de couleur de l'image avec les éléments de l'ameublement de l'appartement (chaises, plafond, rideaux) formera une image complète.
Conseil ! Si la cuisine coule doucement dans le couloir, les peintures pour l'intérieur de cette partie de l'appartement sont sélectionnées dans le même thème.
La cuisine de l'appartement est un endroit idéal pour libérer le potentiel créatif de l'hôtesse. Il existe de nombreuses directions pour décorer des peintures pour l'intérieur. de mes propres mains. Les panneaux se distinguent par leur originalité, pour la fabrication desquels grains de café, céréales diverses, cannelle, fèves et graines de citrouille. Pour créer un chef-d'œuvre dans l'appartement, vous devrez découper le carton à la taille de cadre requise, le recouvrir d'un chiffon ou le traiter avec du papier peint et former une image. Après avoir obtenu un agencement harmonieux des éléments, vous pouvez commencer à les fixer avec de la colle.
Une installation pour un appartement faite de couverts vous permettra de faire preuve d'ingéniosité. Le métal froid s'intégrera organiquement dans un intérieur high-tech strict. Dans le processus de fabrication, il faut veiller à bien fixer les composants de l'image. Pour ce faire, vous devrez acheter un pistolet avec de la colle silicone dans l'appartement. Il est également utile pour les peintures en mosaïque. Les principaux éléments adaptés à l'intérieur de la cuisine sont le verre et tuiles cassées, coquille d'oeuf et strass. En teintant les détails individuels, vous pouvez créer une sorte de décoration pour l'intérieur de l'appartement, en le remplissant de chaleur et de confort. Les idées peuvent ne pas venir tout de suite, accumuler les impressions, collecter petit à petit les détails qui vous plaisent. Au fil du temps, cela se transformera en une image harmonieuse pour l'appartement.
